Pigmentos Imaginarios

Paso a paso

2011-09-24T11:18:00.001+02:00

Aquí teneis una muestra de como le doy forma a una página, desde el guión hasta su representación final.

Preparando el Hotel Safari 3

2011-08-27T17:30:00.000+02:00

Aquí os dejo un boceto avance, de uno de los personajes con los que contaré en la nueva aventura que llevo entre manos para la tercera entrega del multipremiado "Hotel Safari".

"LLega Titiricuenca 2011"

2011-05-24T13:14:00.000+02:00

El festival internacional Titiricuenca 2011, llenará la Ciudad de Cuenca del 3 al 12 de Junio de maravillosas aventuras titiriteras y encima con una ilustración mía en el cartel.

Desde mi butaca "Los celos, por Egoyan

2010-12-10T17:18:00.000+01:00

La nueva película del canadiense Aton Egoyan, director de la muy interesante “El dulce porvenir”, sorprende por tratarse de un remake de la francesa “Natalie X” de Anne Fontaine, pero lo que nos deja estupefactos es como un director tan notable acaba filmando un telefilme facilón de sobremesa dominguera con reparto de lujo. Una ginecóloga empieza a sospechar de su marido, al perderse su propia fiesta de cumpleaños alegando haber perdido el avión por unos minutos. Por casualidad, la doctora conoce a Chloe, una prostituta de lujo a la que encargará comprobar si su marido le es aún fiel o no. A la salida de la sala pensaba: “Pobre Egoyan, encorsetado por un guión ajeno, el primero de su carrera, y con un lastre del original; no podía ser de otra manera, no hay buenos remakes, es muy complicado”, pero de repente un flash me vino a la cabeza, el de “Primera plana” de Billy Wilder, remake de un film de Howard Hawks del mismo título que a su vez adaptaba una obra de Broadway y que la genialidad del director convirtió en una de las obras maestras del séptimo arte; y me di cuenta de lo decepcionante que es “Chloe” y de lo equivocado que estaba: “¡de pobre nada!”. Egoyan filma linealmente, con ritmo irregular, una historia simple que nunca nos consigue sorprender y donde únicamente se vislumbra al anterior director en su lluviosa y preciosa atmósfera canadiense y con su manejo de la sensualidad y el erotismo en las primeras citas de la meretriz. Junto a ello lo único destacable es el buen trabajo del reparto, una obsesionada Julianne Moore en el papel que interpretara Fanny Ardant en el original, una misteriosa Amanda Seyfried, que aún estando sensacional no está a la altura de su predecesora Emanuelle Béart, un sólido Lian Nelson y un chico Max Thieriot que promete mucho en los pocos planos que sale con una ejemplar interpretación de un adolescente enfrentado con su madre. Egoyan construye una cinta de secretos y engaños sobre un matrimonio que se desestabiliza, donde lo único importante son los celos remarcándolo con un nefasto final más cercano al psicokiller más adolescente que al drama romántico por el que realmente transita la trama. El realizador se pierde en su propia obsesión y encima para cerrar nos viene con una moraleja políticamente correcta. Por otro lado la fría atmósfera y la preciosísima puesta en escena nos recuerdan s que el cineasta tiene un don, y solo cabe esperar que “Chloe” sólo sea un pequeño borrón en su filmografía.

Crítica "Chloe" de Atom Egoyan.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 10 de Diciembre de 2010.

Desde mi butaca "Pesadilla Alien"

2010-12-04T16:20:00.000+01:00

Los hermanos Strause, más conocidos por su trabajo en el mundo de los efectos digitales (“300”, “Avatar”…) que en el de la dirección (“Alien VS Predator II”), fracasan rotundamente en una historia que remezcla varias cintas del género de invasiones alienígenas creando un refrito anodino, mal dirigido y con uno de los peores guiones del año. Una pareja viaja a los Ángeles para celebrar el cumpleaños de un amigo de la infancia convertido en un acaudalado hombre de la industria de los efectos especiales. En mitad de la noche resacosa post-fiesta, unas extrañas luces caídas del firmamento despiertan al grupo de amigos, que pronto descubren que se encuentran en medio de una ofensiva extraterrestre; acaba de comenzar la invasión de la tierra y lo único que pueden hacer es intentar sobrevivir de cualquier manera. “Skyline” decepciona desde los primeros cinco minutos con un absurdo flashforward donde nos presentan a la insustancial y superficial pareja protagonista, en un juego rítmico en busca de tensión que no termina de funcionar, dando paso a una sucesión de insípidas escenas de acción aderezadas por criaturas sacadas de Matrix y de videojuegos como “Doom” o “Gears of War” y combinadas con unos flojos e inconsistentes diálogos que ejecutan un grupo de caras conocidas de la pequeña pantalla entre los que se encuentran Eric Balfour (“A dos metros bajo tierra”), Scottie Thompson (“Trauma”) y Daniel Zayas (“Dexter”) que no consiguen triunfar en la gran pantalla por culpa de los banales personajes sacados de las mentes de Joshua Cordes y Liam O'Donnel, una pareja de escritores carentes de toda capacidad narrativa y cinematográfica. Colin y Greg Strause no desilusionan en su faceta de creadores de efectos, incluso sorprenden con unas impactantes y bellas imágenes de abducciones en masa, pero no merece la pena pagar por dos míseros minutos de película ¿no?; con ver el trailer de la película a la espera de cualquier otra propuesta de la cartelera, puedes hacerte ya la idea del buen hacer de estos chicos. Sin duda estamos ante una de las peores películas del año, esperemos que el género no continúe por estos derroteros y siga la estela de proyectos más interesantes como “Distrit 9” con el que la industria nos sorprendía el pasado 2009.

Crítica "Skyline" de los Hermanos Strause.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 3 de Diciembre de 2010.

Desde mi butaca "Extraño culebrón gótico"

2010-12-02T17:24:00.000+01:00

En su segunda película el alicantino Eugenio Mira nos propone un romance gótico ambientado en la España del XIX con toques de thriller de espionaje, lo que choca con la campaña publicitaria en la que nos vendían una historia de terror gótico que dista mucho de lo que te encuentras en pantalla. Joana Prats, única conocedora de la fórmula de la lente inventada por su padre sufre una extraña enfermedad que afecta a su capacidad para percibir el mundo: su mente no es capaz de interpretar los estímulos auditivos y visuales que le llegan a causa de una caída en la infancia. Esta afección será usada para descubrir el secreto que sólo ella conoce a través de un maquiavélico juego de titiriteros, donde su prometido Carles y Vincent, un criado de su casa, jugarán un papel muy especial, configurando un triángulo amoroso lleno de engaños y pasión. “Agnosia” es un cuento gótico con magnífico estilo visual, excelente fotografía y cuidada escenografía que se pierde rítmicamente en su devenir entre el thriller oscuro de espías y el romance más simplón. Una chica encerrada en una casa a causa de una extraña dolencia, un secreto industrial valiosísimo y un siniestro plan para hacerse con él son tres ideas que prometen mucho pero que el guionista y crítico de cine Antonio Trashorras (“El espinazo del diablo”) se encarga de fastidiar dejándolas de lado y volcando toda la historia en un triángulo amoroso con el que nunca consigue que empatices, lo que provoca que poco a poco el espectador se pierda ante el complejo plan al que no acaba de verle sentido. La maravillosa atmósfera y algunos elementos visuales excepcionales como las guirnaldas de colores son así lo único destacable de una película que contaba con muchos elementos para ser genial pero que se pierde en el intento para resultar un cuentecete anodino con romance de telefilm de sobremesa, aunque con una factura visual impecable. Una pena que no se juegue casi con la experiencia visual de la protagonista que solo observamos en pequeñas dosis a lo largo del film; lo que podía haber sido un elemento sorprendente se queda como mera excusa para la historia de amor. Interesante el trabajo de Félix Gómez que da vida a Vincent, un infiltrado al que sus emociones le harán perder la cabeza y el de Bárbara Goenaga, la joven protagonista, acompañados por un siempre correcto Eduardo Noriega. Esperemos que el próximo trabajo de Eugenio Mira, cuente con un gran guión y sea capaz de otorgarle un ritmo más continuo, y tendremos seguro una gran película.

Crítica "Agnosia" de Eugenio Mira.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 26 de Noviembre de 2010.

Desde mi butaca "Cien minutos para el impacto"

2010-12-02T11:32:00.000+01:00

Tony Scott se inspira en hechos reales para filmar una película con el único objetivo de entretener, pegándote a la butaca gracias a un estilo que lleva depurando desde hace más de veinte años en títulos como “Top Gun”, “El último boy Scout” o “Amor a quemarropa”: un ritmo acelerado que domina a la perfección con toques de humor y una exquisita y explosiva fotografía. Hill Conson en su primer día en una compañía ferroviaria se tendrá que enfrentar al veterano conductor Frank, que lo ve como a un enemigo que hace peligrar los puestos de trabajo de los compañeros más antiguos, y a un tren que sin conductor circula a toda velocidad hacia la población de Stanton donde puede provocar una catástrofe de grandes dimensiones. El director británico, hermano de Ridley Scott (ese genio del cine de los ochenta y noventa venido a menos en los primeros años del siglo XXI), presenta una trama muy sencilla donde las relaciones personales son meras excusas para conducirnos a lo que realmente le interesa a Scott, detener ese cohete sin control que viaja por las vías a toda velocidad. “Imparable” no deja ni un respiro al espectador, que no pierde el interés en ningún momento, pero no es más que otra cinta más de acción, con un realizador encorsetado por el calificativo “basada en hechos reales” que provoca la pérdida de la exagerada potencia visual que caracteriza su filmografía. Como es habitual Denzel Washington, resulta completamente real, ejecutando un papel en el que se siente a gusto, aportando a la producción un éxito asegurado en taquilla. Chris Pine se sigue formando como actor tras su lanzamiento a las grandes producciones con el “Star Trek” de J.J. Abrams, realizando un trabajo respetable como el del resto del reparto, con una dulce Rosario Dawson y un magnífico soldador cowboy al que da vida Lew Temple. Está claro que este thriller no pasará a los anales de la historia del cine, pero es apasionante en su montaje y mantiene el interés durante todo su metraje. En resumidas cuentas: tan fácil de ver como de olvidar, como otras tantas películas de Tony Scott. ¿Alguien recuerda ya “Fanático” o “Superdotado en Hollywood II”?.

Crítica "Imparable" de Tony Scott.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 19 de Noviembre de 2010.

Desde mi butaca "Thriller en la oscuridad "

2010-12-02T11:26:00.000+01:00

Tras el éxito comercial de “El Orfanato”, Guillermo del Toro vuelve a las andadas produciendo de nuevo una película de género con un director novel. En “Los ojos de Julia” repiten tanto la actriz principal como parte del equipo técnico de aquélla, para configurar una película que se distancia mucho del terror fantástico de Bayona para adentrarse en el mundo del terror psicológico, a modo de un thriller con un estilo claramente influenciado por Alfred Hitcock con toques de Michael Powell (“El fotógrafo del pánico”). Julia al descubrir que su hermana Sara, con la que compartía una enfermedad degenerativa que las va dejando ciegas, se ha suicidado, empieza a investigar obsesivamente el suceso con la extraña sensación de que alguien, que solo ella parece percibir, tuvo algo que ver con la muerte de su gemela. Guillem Morales, con gran eficacia, juega con el espectador planteándole magníficas ideas visuales relacionadas con la visión o más bien con la falta de ella, dejando imágenes sorprendentes y sensacionales como la huída del asesino a través de un hotel pasando completamente desapercibido ante los ojos de la mismísima protagonista; pero falla estrepitosamente a mitad del metraje haciendo un cambio de ritmo y forma que resulta demasiado forzado y que no ejecuta con la misma efectividad, abusando de sustos efectistas donde sobran escenas enteras como la del congelador. El mismo Morales escribe junto a Oriol Paulo un guión lleno de escenas previsibles, personajes poco creíbles con pinceladas de romanticismo cursilón, que tiene como resultado una historia bien planteada, con buenas ideas, pero con un final demasiado rebuscado y con claros fallos de guión sobre todo en la construcción de los personajes. Belén Rueda se convierte gracias a “Los ojos de Julia” en la reina del terror patrio, realizando una correcta interpretación, pero quien destaca es el debutante Pablo Derqui, un futuro talento que no me extrañaría que acabase como candidato a los premios de la Academia, por este papel. Óscar Faura nos sumerge con la fotografía en un estado de penumbra constante que te mantiene alerta y en sintonía con la protagonista. Un film entretenido con un inicio interesante que te deja un amargo sabor de boca.

Crítica "Los Ojos de Julia" de Guillem Morales.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 12 de Noviembre de 2010.

desde mi butaca "Puro cine americano"

2010-12-01T18:57:00.000+01:00

Con “Adiós, pequeña adiós” Ben Affleck demostró que su trabajo como realizador superaba con creces a su labor como actor y es lo que ocurre de nuevo en “The town, ciudad de ladrones”, dónde dirige y también interpreta el papel principal, realizando una magnífica ejecución visual con excelente estilo narrativo y una interpretación modesta. En Boston se producen más de trescientos robos cada año, y un barrio llamado Charlestown ha dado más ladrones de vehículos blindados y bancos que ningún otro lugar de Estados Unidos. Doug MacRay y su banda son un grupo de ellos que durante un atraco deciden tomar como rehén a la directora del banco; cuando uno de ellos se pone nervioso por lo que Claire (la directora) puede decir al FBI, deciden comprobar si puede identificarlos por lo que Doug en busca de información establece una relación con ella que le provocará plantearse su modo de vida. Una típica historia de ladrones donde los malos te caen bien, con buenas escenas de atracos, elaboradas persecuciones y un amor imposible; un guión sólido pero poco original que Affleck consigue que pases por alto gracias a una excelente dirección de actores, un ritmo que avanza con aplomo y fluidez saltando del thriller al drama a través de los personajes y una puesta en escena y una dirección clásica sucesora de Michael Mann, puro cine americano del bueno, que en algunos pasajes parece que tenga la mano del mismísimo Clint Eastwood. Con un talento innato para dirigir, el cineasta nos trasporta a un pequeño barrio de Boston para hacer un reflejo del mundo donde vivimos y contarnos a modo de thriller con toques de drama pasional, una historia de amor, amistad, honor, policías y ladrones. Como resaltaba al inicio, el gran trabajo tras las cámaras no se repite en su actuación, que aun siendo totalmente solvente, en manos de un actor con más carisma y presencia escénica podría haber sido espectacular. Creo que haberse quedado con el papel principal ha sido su gran error; lo que sí ha sabido hacer es rodearse de un magnífico reparto con secundarios de lujo como Chris Cooper. “The town” resulta tremendamente entretenida, Ben Affleck demuestra que tiene una gran facilidad para la dirección y una sensibilidad especial para retratar a los personajes. En conjunto, la película es una buena excusa para disfrutar de unas buenas palomitas viendo unas espectaculares escenas de acción y una historia poco original pero muy bien contada.

Crítica "The Town" de Ben Affleck.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 5 de Noviembre de 2010.

Desde mi butaca "Trágico viaje a la posguerra"

2010-12-01T18:53:00.000+01:00

Agustí Villaronga (“Tras el espejo”, “Aro Tolbukhin. En la mente del asesino”) nos transporta en “Pan Negro” a la época de la posguerra dejando de lado tanto a vencedores como vencidos para mostrarnos una dura y oscura historia sobre la miseria humana bajo los ojos de un niño, basándose en la novela homónima del escritor Emili Teixidor. Andreu es un chaval que encuentra los cadáveres de un padre y su hijo en el bosque; al poco tiempo las autoridades acusan a su padre de dichas muertes, y él, en busca de la verdad, se enfrentará al mundo de mentiras de los adultos entremezclándolo con sus propias ideas y fantasías, pues no deja de ser un niño que cree en fantasmas como Pitorligua. La película es la trágica aventura de un niño en su despertar a la edad adulta en un mundo salvaje con la posguerra como telón de fondo y con toques de realismo fantástico en un entorno rural devastado por la pobreza. Villaronga nos lo cuenta con una magnífica capacidad rítmica y visual que demuestra desde el principio del film, con la devastadora e impactante escena del caballo que abre la película. Pese a ello la cinta no acaba de cuajar por culpa de un guión insípido lleno de tópicos sobre la iniciación sexual y la amistad que entorpecen el discurrir de la trama principal y provocan que el espectador acabe algo confuso. El director a veces logra emocionarnos gracias a un excelente ritmo de thriller psicológico, y con a veces acertadísimas interpretaciones infantiles acentuadas por la maravillosa atmósfera creada por la fotografía de Antonio Riestra y la actuación de unos secundarios de lujo como Sergi López y Laia Marull… Eso sí, es completamente prescindible toda su parte fantástica que no aporta nada a la trama y que lo único que hace es romper la fluidez del film. En definitiva “Pan Negro” podría haber sido una tremenda y dura propuesta sobre la corrupción, pero se queda en una decentilla película que deja atisbar a un talentoso Agustí Villaronga.

Crítica "Pan Negro" de Agustí Villaronga.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 29 de Octubre de 2010.

Desde mi butaca "Tras los pasos de Hitchcock"

2010-12-01T18:49:00.000+01:00

Caminando hacia el cine me iba preguntando, ¿será capaz Rodrigo Cortés de engancharme durante noventa minutos con un tipo metido en un ataud?; pues no sólo lo consiguió sino que acabé con ganas de ver más trabajos de este joven realizador español que promete mucho. “Buried” es una sorprendente, provocadora e inquietante historia de atmósfera opresiva, la de Paul Conray, un conductor norteamericano que despierta enterrado vivo bajo el desierto iraquí sin saber porqué está allí, cómo ha llegado y si tiene la más mínima posibilidad de salir vivo de tal situación. Poco más se puede desvelar, salvo que cuenta con un mechero y un móvil con poca batería, porque lo que hace grande la película es su fórmula para provocarte la necesidad de saber más y más de lo que le acontece. Cortés filma magistralmente a un hombre dentro de una caja de madera sin sacar la cámara en ningún momento fuera del pequeño cubículo, rodando planos de situación tan sugerentes como el cinemascope de las películas del oeste, con una elevada precisión en los movimientos de cámara y una adrenalínica fluidez rítmica, generando un suspense digno del genial Hitchock. “Buried “provoca sensaciones de claustrofobia, desesperación, calma, terror… a base de no conceder ni un respiro al espectador; parece mentira que puedan suceder tantas cosas en un espacio tan reducido. Sin duda hay que destacar el buen hacer de Ryan Reynols, que lleva a cabo una sugerente y realista interpretación de un hombre desesperado; usando las exageradas palabras del director: “Reynols es… el mejor que uno puede soñar”. Es verdaderamente una gozada que tras salir de la sala, de repente te encuentres pensando, sin darte cuenta, en como han sido rodados muchos de los planos y te acabes percatando del desafío técnico al que se han enfrentado Cortés y Eduard Grau (el director de fotografía), que construyeron hasta siete ataúdes diferentes para poder generar los elaborados movimientos de cámara del film.Durante una hora y media estarás encerrado junto al protagonista en una situación límite, acabarás con un nudo en el estómago y la sensación de haber visto una coherente y personal visión de nuestra realidad a dos metros bajo tierra, con una atractiva banda sonora de Victor Reyes. Solo queda esperar el próximo proyecto de Rodrigo Cortés “Red Light” un thriller psicológico que contará con Sigourney Weaber y Robert de Niro, y que los americanos sigan financiando a directores españoles.

Crítica "Buried" de Rodrigo Cortés.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 22 de Octubre de 2010.

Desde mi butaca "¿Nunca segundas partes fueron buenas?"

2010-12-01T18:45:00.001+01:00

En 1987 Oliver Stone criticó dura y ferozmente el mundo de las finanzas con “Wall Street”; más de veinte años después rescata a Gordon Gekko del olvido, para realizar una secuela, blanda y larga, de la mítica cinta de los ochenta que le valió un Oscar a Michael Douglas, contándonos una historia muy similar en las vísperas de la gran crisis financiera. Jake Moore es un joven broker pareja de la heredera de Gekko, una hija que desprecia a su padre, al que no habla desde hace muchos años, ni siquiera cuando éste, ocho atrás, saliera de la cárcel tras acabar su condena por delitos financieros. Jake se presentará ante Gekko para unir a la familia, pero con ello desencadenará una serie de acontecimientos laborales y familiares a los que se tendrá que enfrentar. Hay dos maneras de contemplar “Wall Street, el dinero...”: desde el punto de vista del que vio la primera parte y del que no. Para el primero, es más de lo mismo pero peor contado, sin la fuerza y la potencia de hace veintitrés años, con un final excesivamente edulcorado que manifiesta la incapacidad del director por reciclar el papel de Gekko, convirtiendo al personaje en una copia insulsa carente de la fuerza, la maldad y el atractivo del film anterior, y donde solo destacan el buen hacer y la sensualidad de la actriz Carey Mulligan que se come con patatas al veterano Michael Douglas y al joven Shia Labeouf que no acaba de despuntar. Para los espectadores que se enfrentan a la historia por primera vez, la película es correcta y entretenida con un guión didáctico, algo predecible y monótono que en manos de Oliver Stone se convierte en una dinámica narración sobre la codicia, la venganza y las altas finanzas con una magnífica fotografía, pero que acaba por transformarse en una pesadez a causa de un excesivo metraje. El realizador americano vuelve a demostrar su buen hacer pero como en muchos de sus últimos proyectos sólo eso; parece que la genialidad que tuvo en los ochenta se quedó varada en el tiempo y no ha llegado a nuestros días, por lo que os propongo una alternativa: un viaje al videoclub más cercano en busca de la “Wall Street” original. Para los que no puedan escapar al influjo Michael Douglas, espero que disfruten y que les haga tanta gracia como a mí la analogía que el director americano hace entre un cuadro de Goya y lo que nos está contando. Y respondiendo a la pregunta con la que titulo este breve texto: ésta no, pero alguna hay.

Crítica "Wall Street" de Oliver Stone.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 15 de Octubre de 2010.

Desde mi butaca "No sólo existe Ibáñez"

2010-12-01T18:43:00.001+01:00

“El gran Vázquez” es un divertido retrato de uno de los genios del tebeo de la editorial Bruguera, esa magnífica editorial que publicaba estupendas revistas como “Tío Vivo” que yo devoraba de pequeño gracias a la colección de mi hermano mayor que, a hurtadillas, saqueaba para disfrutar del “Anacleto” de M. Vázquez o “El botones Sacarino” de F. Ibáñez. Óscar Aibar, seducido por los dibujos de Manuel Vázquez y sobre todo por su vida, filma un homenaje al maestro del humor y los lápices. Vázquez es un pícaro dibujante, que se dedica a vivir bien utilizando todo tipo de tretas, un moroso que de vez en cuando dibuja para publicaciones juveniles. Aibar nos cautiva con una primera parte de comedia hipnótica y alocada, retratando la inusual vida del protagonista, llena de divertidos momentos, y el modo de trabajo casi tiránico de la editorial. Pero no resuelve de la misma manera la segunda mitad; el drama que aparece en la historia no acaba de convencer, quizás por la elección del actor, Santiago Segura, que en muchos momentos parece la más acertada pero después de ver como pincha en las escenas dramáticas te hace plantearte su presencia en la pantalla. El director recrea con maestría la España de los años 60, otorgándole unos colores cercanos al tebeo, y con una narratividad cercana a los clásicos de la literatura picaresca española. Con un inicio magnífico donde superpone bocadillos como si nos encontrásemos dentro de una de las historias del “tío Vázquez”, Aibar nos presenta al protagonista con una fluidez insuperable en una sola secuencia, que nos recuerda al moroso del ático de “13 Rue del “Percebe” de Francisco Ibáñez. La película cuenta con unos secundarios de lujo, un irritante Alex Angulo, un atontado Enrique Villen y un espléndido Manolo Solo. Una divertida banda sonora a cargo del genial Mastretta que de nuevo da su toque para hacernos viajar a un universo desenfadado. “El gran Vázquez” es divertida y se deja ver, pero, sobre todo, puede abrir muchas mentes a la obra de uno de los grandes autores de la historieta patria, y hacer que más de uno acabe por subir al trastero para rescatar de una vieja caja de cartón aquellos míticos tebeos de su infancia.

Crítica "El Gran Vazquez" de Óscar Aibar.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 8 de Octubre de 2010.

Desde mi butaca "Un sórdido Darin"

2010-12-01T18:40:00.000+01:00

Un carancho es un ave carroñera que persigue a sus víctimas a corta distancia, que es exactamente lo que hace el protagonista de la última propuesta cinematográfica de Pablo Trapero. El director argentino nos trasporta al Buenos Aires más sórdido y corrupto para hablarnos del amor y la vida, denunciando la corrupción a través de un oscuro drama de descorazonador argumento y aire desolador. “Carancho” es un retazo de la triste y emotiva vida de Sosa, un abogado venido a menos que, como ave de rapiña, estafa a las aseguradoras con falsos accidentes automovilísticos y a las personas que después de un accidente están perdidas y desorientadas. En uno de estos actos delictivos Sosa conoce a Luján, una bella doctora adicta a los tranquilizantes de la que acabará profundamente enamorado. Trapero filma con maestría una historia de cine negro llena de suspense, inbuída de una oscura y aplastante realidad que, aún excediéndose en metraje, consigue que el espectador quede atrapado gracias a una sencilla y cruda narración rebosante de realidad, acompañada de una magnífica fotografía de Julián Apezteguin. Pero la película no podría ser la misma sin los dos grandiosos protagonistas que sustentan todo el peso del relato: un Ricardo Darín fabuloso como casi siempre, comedido y ejemplar en un papel que le viene como anillo al dedo, y una Martina Gusman espléndida, que se come la pantalla en todas sus apariciones. El último film del director de “El bonaerense” es duro, triste y frío, con una de las mejores secuencias finales de los últimos años. Una sola pega, su ya apuntada excesiva duración. El guión de Carancho, firmado a cuatro manos, es sencillo, rápido y contundente, con un gran final, y se apoya en enérgicos diálogos y sosegados silencios. No cabe duda que estamos ante una de esas cintas que da gusto ver, bien dirigidas y que te enganchan desde el primer minuto hasta que acaban. La historia de Trapero queda resumida en una pequeña frase que Darín dice al comienzo: “era algo simple, tenía que salir bien pero salió mal…”

Crítica "Carancho" de Pablo Trapero.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 1 de Octubre de 2010.

De nuevo a las andadas

2010-12-01T18:33:00.001+01:00

Siento no postear desde hace tanto tiempo, pero a partir de ahora, intentaré postear como mínimo una vez por semana.

lectura Veraniega

2010-07-16T12:18:00.001+02:00

Ante el calor, nada mejor que un refrescante libro .

Desde mi butaca "LAS VACACIONES"

2010-07-14T09:59:00.000+02:00

Seis años después de su ópera prima “Los árboles no dejan ver el bosque”, Maren Ade, de manera casi documental, nos presenta una película sobre los problemas de pareja. “Entre nosotros” se alzó con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín de 2009 y con el Oso de Plata a la mejor actriz para la magnífica Birgit Michmayr.

Chris y Gitti disfrutan de unas idílicas vacaciones en la isla de Cerdeña. Durante el retiro la pareja va poco a poco entrando en una crisis sentimental, que se agudiza por la puesta en escena de una pareja de burgueses acomodados. Maren Ade nos convierte en “voyeurs” contándonos casi en tiempo real la historia de esta pareja que es incapaz de comunicarse y nos muestra cómo, pausadamente, su idílica relación se desestabiliza.

Sorprende a la par lo soporífera y sincera que es la película. Ade, con dos horas de duración, consigue que entremos en el día a día de la pareja pero aburriéndonos enormemente con unos excesivos tiempos muertos, aunque gracias a unos mordaces e inteligentes diálogos logra despertarnos de vez en cuando con una sincera historia que se decanta más por el diálogo que por la narración en imágenes, dejando relegado el estilo visual a un segundo plano. La directora nos hace convivir con los protagonistas haciéndonos partícipes de sus alegrías, sus frustraciones, sus amores, sus odios, y sus incomprensiones; a base de silencios, conversaciones íntimas y desencantos vemos paulatinamente como se desmorona una relación. Con una puesta en escena teatral pero sin dramatizar las situaciones, la realizadora alemana nos hace contemplar lo fácil que es pasar la delgada línea que separa el amor del odio, con un mínimo pero magnífico reparto donde sobresale Michmayr: a nadie le puede extrañar que haya puesto el Oso de Plata en su estantería con esta aguda interpretación de una chica rebelde que es capaz de todo por el amor del soso y antipático Chris, al que le da vida, de manera muy correcta, Lars Eidinger. Repleta de profundidad pero tediosa por su extenso metraje nos encontramos ante una de esas películas que te dejan un regusto amargo.

Crítica "Entre Nosotros" de Maren Ade.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 2 de Julio de 2010.

Desde mi butaca "LA VIDA POR KORE-EDA"

2010-07-14T09:55:00.000+02:00

Hirokazu Kore-eda en su adaptación del manga: la figura “neumática” de una chica de Yoshiie Gouda nos propone un cuento sobre las relaciones de las personas, el aprendizaje y la soledad en la sociedad nipona de nuestros días, consiguiendo un bello y desolador poema acerca de la existencia humana. El solitario Hiedo, es un hombre de mediana edad que habla, come, hace el amor y duerme con una muñeca hinchable. Un buen día Nozomi (la muñeca) cobra vida y comienza a explorar y descubrir el mundo más allá de las paredes de su pequeño apartamento; por el día mientras él trabaja, ella, fascinada por todo lo que ve, deambula por las calles de Tokio, regresando por la noche para interpretar el papel de sustituta sexual para Hiedo. En uno de esos viajes acaba en un videoclub donde conoce a Junichu del que acabará completamente enamorada. En “Air doll” Kore-eda actualiza la esencia de Pinocho, el muñeco que cobra vida, mediante una triste y melancólica fábula urbanita japonesa. La singular visión de la vida del realizador queda magníficamente plasmada en una frase de la película “… Hoy en día todo el mundo está vacío…”. Con ritmo pausado y una delicada factura visual, el director es capaz, casi sin usar efectos especiales, solo con leves y sutiles planos, de realizar una de las más bellas escenas de amor de la historia del cine, cuando Junichu insufla aire en el interior de Nozomi. La película nos propone un juego entre lo fantástico y lo real a través de una puesta en escena intimista y sencilla donde todo transcurre apaciblemente. El cineasta japonés nos hipnotiza en una asombrosa primera media hora, pero acaba perdiéndonos, dilatando en exceso el final; podría haber sido perfecta con poco más de la mitad del metraje, eliminando las discordantes historias paralelas que nos cuentan la vida de los vecinos que no aportan prácticamente nada a la trama principal ,que es la que realmente nos atrapa e inquieta: la vida de esa muñeca hinchable por la que acabas complemente fascinado gracias a la fabulosa interpretación de la surcoreana Donna Bae que nos sorprendió en “Host” y que en “Air Doll”, con sus sutiles movimientos y delicados gestos, hace de la contención todo un arte, consagrándose como una magnífica actriz. Estamos ante una extraña joya que quizás se alarga demasiado pero que merece ser vista por su sensible poética visual.

Crítica "Air Doll" de Hirozaku Kore-eda.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 25 de Junio de 2010.

Desde mi butaca "IRREVERSIBLE DECADENCIA"

2010-07-14T09:52:00.000+02:00

Por tercera vez en su carrera el director inglés Oliver Parker se enfrenta a la adaptación de un título de su compatriota (aunque naciera en Dublin, ésta pertenecía entonces al Reino Unido) el escritor Oscar Wilde. Después de “Un marido ideal” y “La importancia de llamarse Ernesto”, le toca el turno a la novela “El retrato de Dorian Gray”, una de esas historias que te hacen estremecerte mientras las lees y que nunca olvidas.

Bastante fiel a su original literario, el director presenta una película sobre la pérdida de la inocencia, el placer y la perversión. Dorian Gray viaja a Londres para tomar posesión de su herencia y al cabo de unos días conocerá a dos personas que cambiarán su vida para siempre: un pintor llamado Basil Hallard, que plasmará la belleza y juventud del aristócrata en una magnífica pintura, y un cínico vividor, Lord Henry Wotton, que sumergirá a nuestro protagonista en una búsqueda insaciable de sensaciones y placeres... Parker intenta realizar una versión moderna del clásico de Wilde, dotando a la obra de una puesta en escena de cine de terror, un ritmo de thriller psicológico y una estética siniestra, pero lo que consigue es una cinta entretenida, sí, pero insustancial, que se decanta por contarnos solo la perversión de Dorian dejando de lado los temas fundamentales sobre los que trataba el texto original, tales como el narcisismo, la decadencia de la aristocracia de la época y los problemas de la eterna juventud. Ben Barnes no está a la altura del personaje, ejecutando una interpretación algo plana aunque efectiva; por el contrario Colin Firth está impecable como siempre y nos sorprende con un divertido dandi victoriano. No se puede negar que Parker nos transporta, gracias a una cuidada puesta en escena sin grandes efectos visuales y magníficos interiores, a un mundo oscuro neblinoso de una gran belleza visual. Entretenida adaptación de uno de los personajes más carismáticos y misteriosos de la literatura occidental.

Crítica "El retrato de Dorian Grey" de Oliver Parker.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 18 de Junio de 2010.

Desde mi butaca "¡SOY UN SUPERHÉROE! "

2010-07-14T09:48:00.000+02:00

Como aficionado a los cómics y al cine no podía dejar pasar “Kick-Ass”, un proyecto original en su gestación. Mark Millar, creador de la historia, decidió darle forma de dos maneras diferentes: sobre el papel puesta en viñetas por los lápices de John Romita Jr. y en la pantalla de la mano de Mathew Vaughn. Ambos guiones se escribieron simultáneamente creando dos propuestas ligeramente diferentes pero con el mismo espíritu. Su comercialización ya no ha ido a la par, y la versión de cómic lleva en las librerías unos meses.

¿Quién no ha querido ser un superhéroe?. O mejor aún, usando una magnífica y divertida frase de la película, “Por Dios, tíos ¿no os molesta?: miles de personas quieren ser Paris Hilton, pero nadie quiere ser Spiderman.” Esa idea es la esencia de Kick-Ass; todo lo demás es mero añadido para contar la historia del joven Dave Lizewski, un típico adolescente americano anodino, algo pringao, que lee comics y que un buen día decide comprarse un traje chulo de neopreno en e-bay y convertirse en un superhéroe con más entusiasmo que capacidades. Partiendo de tal premisa cabría pensar que estamos ante una idea realista pero, todo lo contrario; es una parodia divertida del género de superhéroes, llena de violencia, con unos cuarenta primeros minutos formidables, que pierde fuelle a la mitad y se recupera algo en los minutos finales: la dirección de Mathew Vaughn es sorprendente y refrescante durante esos primeros minutos aportando un estilo irónico lleno de una violencia divertida sucesora del buen hacer de Quentin Tarantino en “Kill Bill”, pero al cabo de un rato, acaba por entrar en un bucle de secuencias demasiado similares entre sí, hasta que de nuevo nos sorprende visualmente en una de las últimas peleas con una aportación consolera y un ritmo más enérgico y ameno cargada de excelentes coreografías. Con una historia en la que no falta ni un tópico, Millar y Vaughn consiguen enlazarlos de tal manera que dan vida a unos superhéroes muy alejados de los de las grandes producciones de Marvel y DC. Pero si algo tiene de especial Kick-Ass es sin duda el nacimiento de una joven estrella, una Cloe Morrash que con tan solo 11 años es capaz de hacernos completamente creíble que le pida a su papá para su cumpleaños una navaja mariposa. En definitiva, un producto pensado ante todo para los amantes de los cómics de superhéroes realizado por un equipo que les tiene mucho respeto y es capaz de enganchar a los no aficionados divirtiendo a ambos por lo menos durante un rato, aunque acabe siendo olvidada unos días después.

Crítica "Kick-ass" de Mark Millar.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 11 de Junio de 2010.

Desde mi butaca "EL ACRÓBATA GUERRERO"

2010-07-14T09:44:00.000+02:00

Hace unos años Ubisoft rescataba el clásico juego de PC “Prince of Persia” para actualizarlo con exitoso resultado, generando una nueva forma de disfrutar del género de plataformas para consolas, configurando las bases de lo que después se ha convertido en una sólida saga. Gracias a Jerry Bruchaimer productor de “Piratas del Caribe” y “CSI”, la antigua imaginaria Persia viaja del salón de casa a la sala de cine para hacernos pasar un ameno y simpático rato acompañados de un refresco y palomitas. Y así nos encontramos junto al Rey de Persia paseando por una de sus ciudades donde tras el acto honorable de un niño, decide acogerlo como un hijo más; unos cuantos años después, ya convertido en un aguerrido soldado, habrá de enfrentarse a falsas acusaciones, al desprecio familiar, a una irresistible princesa, a un grupo de asesinos y a las arenas del tiempo. Mike Newel nos propone la típica historia de aventuras a la que aporta unas cuidadas acrobacias que por momentos nos recuerdan al Burt Lancaster del “Temible Burlón” aunque sin su carisma, y con un excesivo movimiento de cámara. Newel no para: une con excesiva celeridad un plano tras otro, dejando sin poder pestañear al espectador, cautivándolo durante un rato pero cansándolo por el abuso. “Prince of Persia” cuenta con un guión extremadamente sencillo y simplón que enfoca toda su atención en el espectáculo, dejando de lado la trama y los personajes, pero Newel es capaz de engancharte, de hacer que dejes apartada esa simplicidad de la historia y disfrutes como un niño del saltimbanqui con espadas protagonista. Jake Gyllenhall se pone en la piel del príncipe y se nota que disfruta, la pena es su falta, casi total, de carisma para crear al personaje: le falta ese toque socarrón que tenía Brendan Fraser en la divertida y genial “Momia” dirigida por Stephen Sommers. Un reparto sin grandes actuaciones salvo la del magnífico Alfred Molina dando vida al divertido Amar y desbordando pasión por la interpretación. Como jugador, tengo que decir que Mike Newel ha conseguido una convincente traslación del personaje a la gran pantalla aunque echo de menos el trasfondo oscuro del videojuego; como espectador de cine estoy ante una entretenida, sencilla y épica historia de amor y aventuras que llegará, estoy seguro, a convertirse en saga.

Arturo Gª. Blanco

Crítica "Prince of Persia" de Mke Newel.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 4 de Junio de 2010.

En la selva

2010-05-30T19:01:00.000+02:00

Mi extraña obsesión con los monos.

Desde mi butaca "AMOR A DOS"

2010-05-30T18:58:00.000+02:00

Dos años después de su presentación ha llegado a las salas españolas “Two Lovers”, un melodrama sobre las decisiones de un hombre perdido. Un previsible drama romántico que nos engancha gracias a una magnífica puesta en escena y una elaborada dirección de actores. James Gray dirige, con un marcado estilo de cine negro y muy influenciado por sus trabajos policíacos anteriores, esta cinta, transportándonos al amargo caos de la mente de un bipolar fotógrafo de paisajes.

Tras un intento fallido de suicidio a causa de una separación sentimental, Leonard regresa a casa de sus padres y a la empresa familiar. Su en ese momento aburrida vida dará un giro de trescientos sesenta grados al conocer a dos mujeres bien distintas: tendrá que debatirse entre el amor por la morena tranquila y dulce, Sandra (Vinessa Shaw), o por la alocada, perdida y divertida rubia, Michelle (Gwyneth Paltrow). Su compleja y en algunos casos infantil manera de relacionarse, nos harán viajar a lo más profundo de un hombre desorientado que busca el amor con desesperación.

Gray escribe junto a Richard Menello un guión muy sencillo con una trama poco elaborada que habla sobre las decisiones que se toman y sobre la familia como esencia represiva y como último reducto del amor. Una historia sencilla que se convierte en amarga, sincera y dramática por la capacidad del director de recrear una atmósfera melancólica, gris e intimista, que llega al corazón apoyada por la extraordinaria y llena de sombras fotografía de Joaquín Baca Asay, consiguiendo que lo previsible se convierta en interesante y transmitiendo un aire de desesperación extrañamente familiar. Claro que no podría haberlo llevado a cabo sin el talento de Joaquin Phoenix que interpreta a un hombre hundido enfrentado a dos posibilidades. Puede que estemos ante su última interpretación ya que ha decidido dejar su faceta de actor y volcarse en su carrera musical. Gray en ocasiones falla en el tempo, resultando en algunos momentos lento y tedioso, pero poco a poco es capaz de que te olvides de sus pequeños defectos. Es un alivio que en América sean capaces de plantear una historia que podría haberse convertido en una película “Jennifer López” que arrasase en taquilla, convirtiéndola en cambio en una propuesta adulta muy alejada de las comediejas románticas a las que nos tienen acostumbrados.

Crítica "Two Lovers" de James Gray.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 29 de Mayo de 2010.

Desde mi butaca "ANTES DE SHERWOOD"

2010-05-30T18:54:00.001+02:00

El aclamado director de “Alien” y “Blade Runner” da una vuelta de tuerca al mítico Robin Hood, realizando una propuesta muy alejada de las típicas historias del justiciero forajido de Sherwood, cambiando las mallas verdes de Errol Flynn y el espíritu jovial y romántico del Príncipe de los Ladrones de Kevin Costner por la figura de un complejo soldado obligado a convertirse en héroe por los acontecimientos. Ridley Scott nos narra sus orígenes dirigiendo una “precuela” a sus aventuras en el bosque. Un arquero llamado Robin Longstride regresa junto al ejército encabezado por Ricardo Corazón de León de las Cruzadas. Durante la última batalla de Ricardo, él y un pequeño grupo deciden desertar y acelerar su regreso a Inglaterra. Durante su viaje se toparán con una corona y una espada que deberán devolver a sus respectivos dueños. Brian Helgegand firma un guión oscuro de aventuras con trasfondo político, una historia más madura y compleja que sus predecesoras, una propuesta cruda y realista que intenta tener de todo para que no te aburras: grandes batallas, escaramuzas, unas gotas de romance y luchas de poder. Es una pena que el hombre que nos dejó hipnotizados y con la boca abierta en “Los duelistas” haya perdido la chispa de sus primeros trabajos; se ha convertido en un excelente e intuitivo creador visual, pero no es capaz de emocionarnos y sorprendernos como antes. El Robin de Scott es una buena película de aventuras que te deja un extraño sabor de boca, quizás por culpa de su desafortunado título, que provoca en el espectador unas ideas erróneas sobre lo que se va a encontrar en las salas de cine: uno espera ver al ladronzuelo que roba a los ricos para dárselo a los pobres y se encuentra con algo muy distinto, que solo deja entrever la esencia del mito en sus minutos finales. Uno de sus puntos fuertes es el magnífico reparto con el que cuenta, un Russell Crowe que da vida a un héroe muy alejado de su papel de Maximus en “Gladiador”, un genial Max Von Sydow que nos deja boquiabiertos con su interpretación de lord inglés y una Cate Blanchet de la que acabas inesperadamente enamorado. En resumen, una película épica con toques de aventura y una clásica y potente banda sonora. Últimamente se ha ido perdiendo mucho humor e ingenuidad en las películas de aventuras, algo que para mi gusto creo que es un error; espero con impaciencia que algún director nos sorprenda con personajes e historias que nos recuerden al Íñigo Montoya de “La Princesa Prometida”.

Crítica "Robin Hood" de Ridley Scott.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 22 de Mayo de 2010.

Un buen sitio para leer

2010-05-21T11:53:00.001+02:00

Desde mi butaca "TIROS Y MÁS TIROS"

2010-05-20T19:35:00.001+02:00

“Desde París con Amor” lleva ya un tiempo en cartelera, pero siempre es bien recibida una cinta con el sello “Luc Besson”. Esta vez el director de “León el profesional” produce y crea la historia que deja en manos de Pierre Morell, repiteindo un tándem que nos sorprendió hace unos años con la colérica y dura “Taken (Venganza)” con un magnífico Liam Neeson. Es inevitable que salga a relucir su anterior trabajo, que es realmente muy superior al que tenemos entre manos; en esta ocasión Morell y Besson optan por la acción frenética y sin sentido realizando una divertida historia iniciática sobre un agente de la CIA. Reese es el ayudante del embajador norteamericano en París, pero realmente su ambición es convertirse en agente de campo de la CIA, para lo que realiza pequeños trabajos, puesta de micrófonos y cambios de matrículas; con la llegada de Wak se presenta su gran oportunidad: estará a la altura de sus deseos, podrá mantener el ritmo de su temerario y alocado compañero. Con una historia sobre dos camaradas muy en la línea de “Arma Letal” y “Tango y Cash”, Morell y Besson proponen un guión bien hilado y mucho humor y, aun no siendo una gran obra, logran sacarle partido a lo que tienen entre sus manos realizando una trepidante, excesiva, inverosímil y divertida película de acción pasada de tiros. El film está plagado de guiños, desde un título que homenajea a la saga de James Bond creada por Ian Fleming, pasando por un Travolta que se ríe de sí mismo gracias a una hamburguesa recordándonos su mítica interpretación de Vincent Vega en “Pulp Fiction”. Besson demuestra que desde Francia se puede competir con Hollywood en cine de acción, aunque es una pena que no mantenga la calidad de proyectos anteriores como la mencionada “Venganza” o “Danny the dog”. Desde el primer momento que aparece Travolta consigue inexplicablemente que su disparatado Wax tenga carisma y que aun teniendo una excesiva corpulencia no desentone el que se lance por una barra como la de los bomberos disparando boca abajo a diestro y siniestro. Jonathan Rhys Meyers por su parte realiza una buena progresión de su personaje desde un soso funcionario a un intrépido espía. “Desde París con Amor” te divertirá durante todo su metraje, pero será olvidada después de echar a la papelera el vacío recipiente de las palomitas.

Crítica "Desde París con Amor" de Pierre Morell.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 15 de Mayo de 2010.

Desde mi butaca "ROJO Y DORADO"

2010-05-20T19:28:00.001+02:00

En los últimos años los aficionados a los cómics y el cine hemos tenido un gran aluvión de propuestas cinematográficas, la mayoría poco interesantes: escasos han sido los proyectos que han sabido trasladar con acierto las historias del papel a la gran pantalla, con excepciones como “300” de Zack Snyder o la tenebrosa “Batman Begins” de Christopher Nolan o Jon Favreau que, aún no estando a la altura de éstos, nos sorprendió en “Iron Man” realizando una de las mejores adaptaciones del universo Marvel. En esta secuela del personaje, Favreau no alcanza las expectativas levantadas por la primera cinta, al ofrecernos una película menos divertida y creativa, aunque, aún así, capaz de engancharnos y divertirnos durante un par de horas. La inclusión de varias tramas secundarias, que no son más que meras excusas para presentar los próximos lanzamientos de Marvel para el cine - como “Los Vengadores” - provocan que la trama principal quede algo insulsa.

“Iron Man 2” comienza exactamente en el mismo momento donde acababa la primera, con Tony Stark diciéndole a la prensa que él es Iron Man y que se compromete a velar por los Estados Unidos. Su decisión tendrá como consecuencia que el gobierno le exija los secretos de su armadura, a lo que él se negará alegando que no es necesario porque ninguna otra potencia tiene, ni tendrá durante los siguientes diez años, la tecnología para poder construir una armadura igual; grave error, dado que, cual vamos a enterarnos, en esos momentos un psicótico científico llamado Ivan Vanko da forma en Rusia a una semi armadura con unos poderosos y destructivos látigos, que pondrán en la cuerda floja tanto la vida como la palabra de Tony Stark. No es que esperásemos una propuesta visual tan fascinante como la de Robert Rodríguez en “Sin City”, solo confiábamos en que Jon Favreau fuese capaz de sorprendernos en algún momento y no lo consigue, limitándose a continuar el estilo de muchos diálogos y poca acción de la primera, pero, al carecer de un guión tan sólido, su propuesta tiende a hacerse más pesada. Eso sí, a Robert Downey Jr. el papel de Stark le viene como anillo al dedo para crear un personaje excéntrico, elegante y fanfarrón que llena la pantalla en todo momento. En esta ocasión tiene como rival a Mickey Rourke, el único actor que está a la altura, aunque es una pena que su personaje no tenga más protagonismo. En resumen, una decente película de superhéroes que anticipa nuevas historias de SHIELD y compañía.

Crítica "Iron Man 2r" de Jon Favreau

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 7 de Mayo de 2010.

Nuevos Juguetitos

2010-05-12T17:20:00.002+02:00

Hace unos días cayó en mis manos (gracias Ana) nuevas herramientas con las que disfrutar sobre una hoja de papel, aquí os dejo algunas experiencias con pentel Tradio, pentel , rotu letraset y una vieja tinta amarilla que descubrí en un cajón.

Desde mi butaca "Entre líneas"

2010-05-06T15:34:00.001+02:00

El pasado 23 se festejó el Día del Libro y durante toda esta semana se celebra en Cuenca la Feria del Libro (FLICC), ¿qué marco más idóneo para enfrentarnos a la última propuesta cinematográfica de Roman Polanski, ese director que nos cautivó con “El baile de los vampiros” y nos deslumbró en “Chinatown”? En “El escritor” adapta al cine la novela de Robert Harris El poder en la sombra y al dar forma al guión se ayuda del propio autor del libro para configurar su particular visión de la historia convirtiéndola en un thriller oscuro y paranoico con una conspiración política como telón de fondo . El protagonista, contratado como “negro”, para reescribir las memorias de Adam Lang, un ex primer ministro británico, tendrá, para llevar a cabo su tarea, que viajar a una remota y desolada isla de los Estados Unidos donde se encuentra el frío y angustioso hogar transitorio de Lang y, según vaya buceando en el pasado del politico, irá descubriendo inquietantes detalles, una extraña personalidad para un líder de su talla, increíbles lazos con la CIA y el terrorismo, lo que le llevará a convertirse en un inusual investigador. Hitchcock no ha muerto, su esencia perdura: tras el homenaje de Scorsesse en “Shutter Island” Polanski recoge el testigo y plantea una historia con esos personajes que el maestro del suspense controlaba tan bien, tipos corrientes que, sumidos en extrañas circunstancias, deben convertirse en obligados investigadores. Construye así un inquietante thriller negro lleno de angustia, y es que pocos directores son capaces de coger, como aquí hace Polanski, un guión sencillo cual éste y convertirlo en una magnífica historia simplemente dilatando la acción y colocando la cámara de tal manera que el espacio donde transcurre la acción se convierta en un mundo sobrecogedor y misterioso, transportándonos así a un estado paranoico donde cada secreto esconde más secretos. La magnífica lección de aprovechamiento de los espacios - el búnker de hormigón donde vive Lang, la desolada playa, los oscuros y tenebrosos bosques y ese abandonado puerto - son piezas clave en la creación de una angustiosa atmósfera que Pawel Edelman fotografía con una acertada paleta de colores fríos. Secuencia tras secuencia, Polanski demuestra que es un excelente realizador, manteniendo la tensión desde el primer minuto hasta el último, pero es en la escena del GPS donde más brilla: esa cámara que sólo muestra el punto de vista del escritor aporta un excelente juego entre el espectador y el protagonista. Cada personaje que sale a escena es aún más perturbador que el anterior y aumenta nuestra necesidad de descubrir lo que sucede. Ayudado por un excelente casting, con un creíble Ewan McGregor, un extraño Pierce Brossnan y una seductora Olivia Williams, no es de extrañar que obtuviera el Oso de plata al mejor director en la Berlinale de este año.

Crítica "El Esritor" de Roman Polansky.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 30 de Abril de 2010.

Desde mi butaca "Sigue al Conejo Blanco"

2010-05-06T15:32:00.002+02:00

Tengo que reconocer que desde el mismo instante que descubrí aquella extraña y cautivadora historia de fantasmas llamada “Beetlejuise”, me convertí en un fiel seguidor del cine de Tim Burton. Indudablemente el universo creado hace más de cien años por Lewis Carroll en Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí tiene grandes paralelismos con la obra de Burton: extrañas criaturas y personajes algo alocados pueblan los imaginarios de ambos autores, por lo que no se podía quizá pensar en un director mejor para adaptar de nuevo este clásico literario que tantas veces se ha llevado a la gran pantalla, siendo la versión de dibujos animados de Disney la que más ha calado en el subconsciente colectivo. Linda Woolverton firma en este caso un guión que nos muestra a una Alicia de 19 años que huye de su fiesta de compromiso regresando al País de las Maravillas, pero en esta ocasión se encontrará un mundo oscuro y tenebroso gobernado por la Reina Roja, en un viaje onírico que ayudará a nuestra protagonista a enfrentarse a las vicisitudes de su propio mundo real. Este intento de Woolverton de dar una vuelta de tuerca a la historia original, es a mi juicio el gran fallo de la película, porque durante toda su metraje realmente lo que te gustaría estar viendo en imágenes sería la aventura descrita por Carroll, y no una historia que solo usa como telón de fondo el universo creado por el escritor inglés; me recuerda al gran fiasco de Steven Spielberg “Hook”, que contaba la historia de un Peter Pan entrado en años. Aun así Burton es capaz de atrapar nuestra atención gracias a la potencia visual de sus imágenes, hipnotizándonos con los extraños personajes que pueblan el sueño por el que transita Alicia. Una loca e hiperactiva Liebre de Marzo, un bipolar Sombrerero, unos pequeños monos botones y una Reina cabezona interpretada por una genial Helena Bonhan Carter, te transportan a un mundo extraño,a la par fascinante y fantástico. Un film de aventuras bien realizado pero del que se esperaba más viniendo de un hombre que adaptó ejemplarmente ese otro gran libro para niños que es Charlie y la fábrica de chocolate.

Crítica "Alicia en el pais de las maravillas" de Tim Burton

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 23 de Abril de 2010.

Desde mi butaca "El poder de un Libro"

2010-05-06T15:21:00.001+02:00

Los hermanos Allen y Albert Hughes son los responsables del western apocalíptico “El libro de Eli” aportando esa estética de cómic que llevan diez años perfeccionando desde que adaptaran para la gran pantalla la novela gráfica de Alan Moore “From Hell”. La cinta se encuentra demasiado cerca en el tiempo como para no hacer comparaciones con “La carretera” de John Hillcoat y esa sensación es la que tenía durante los primeros minutos, pero según iba pasando el metraje fue desapareciendo por completo: la acción salvaje y rápida que aportan los hermanos Hughes y lo sensiblero que es el guión respecto a “La carretera”, provocan que lo único que quede en común sean meras anécdotas, como unos desolados Estados Unidos y la mención al canibalismo, dando como resultado una historia no muy original sobre el bien y el mal con,eso sí, una factura y un buen hacer excepcionales. El protagonista, Eli, viaja a través de un país agreste, en ruinas y desolado con la intención de llevar un misterioso libro a algún lugar del oeste; es un monje guerrero que dará la vida por salvaguardar el volumen y hacer que llegue a su destino, pero el camino es largo y peligroso y otro hombre anhela el libro, porque sabe que lo podrá usar en su provecho para controlar a las masas. “El libro de Eli” no es sino una mezcla entre Mad Max y los spaguetti western de Sergio Leone con una trama sensiblera y sobre el poder de la espiritualidad, pero ante todo es una película de acción, poca pero contundente. Sin abusar de grandes efectos especiales, los hermanos Hughes optan por una narración sobria rodada en plano secuencia, con una elaborada coreografía sin los excesivos movimientos de cámara a la que el género nos tiene acostumbrados. Se asemeja a la ruda acción de “Una historia de violencia” pero siendo más enérgica, rápida y plástica que la de Cronenberg, dejando un ligero sabor a viñeta de cómic. Denzel Washington al que le gustó tanto el proyecto que decidió producirlo, se mantiene al magnífico nivel al que nos tiene acostumbrados, destacando que no usó dobles en las escenas de acción por lo que los Hughes pudieron dirigir esos increíbles planos secuencia sin la necesidad de hacer ningún corte; Gary Oldman, por su parte, demuestra que los papeles de malo le vienen como anillo al dedo poniéndose en la piel del malvado y poderoso Carnegie, y qué decir del cameo de Tom Waits, siempre genial en sus apariciones de cine. Estamos ante un producto que carece de un gran guión pero que lo suple con una narratividad y una puesta en escena pausada con momentos adrenalíticos. En conjunto, una decente película.

Crítica "El Libro de Eli" de Allen y Albert hughes.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 16 de Abril de 2010.

Presentación Hotel Safari 2

2010-04-28T10:12:00.003+02:00

El hotel Safari abre de nuevo sus puertas el próximo sábado día 1 de mayo en Cuenca, donde se presentará a nivel nacional el esperado segundo número a las 18:00 en la Feria del Libro (FLICC) .

Posteriormente habrá una sesión de firmas en el stand de la Comicteca en la misma feria, pásate a por tu ejemplar firmado.

Para los que no conocen el proyecto se trata de una novela gráfica escrita y dibujada por seis jovenes autores, Ana Alvares, Arturo García Blanco, Diego Burdío, Fran Collado, Alfonso pinedo y Julio Serrano. Un colectivo que empezó a trabajar juntos hace unos años en el Fanzine "El Caracol de Hojalata" en 2008 se unió Diego, que a parte de incorporarse como dibujante y creativo se encargó de la edición del primer número de "Hotel Safari", premiado ese mismo año con el premio del público "al mejor Fanzine" en el Salon del Cómic de Barcelona.

A la venta el "Libro de la mandangas"

2010-04-27T11:23:00.007+02:00

El pasado Jueves 22 de Abril fue la presentación y entrega de premios "Luna de aire" de la UCLM y el CEPLI.
Se hizo entrega a Gracia Iglesias Lodares por su obra ‘El mundo de Casimiro. Memorias de un saltamontes’, ilustrado por Ángela de la Vega del primer premio de la VII edición del certamen ‘Luna de Aire’ que anualmente convoca el Centro de Estudios de Promoción de la Lectura y Literatura Infantil (CEPLI). Asimismo se ha distinguido con un accésit a la obra ‘Libro de las mandangas’ de Darabuc e ilustrado por Arturo García Blanco.

Os dejo unas cuantas fotografías del acto y deciros que ya está a la venta.

Comprar "libro de las Mandangas"

+info

Arturo García Blanco y Ángela de la Vega, los ilustradores.

El libro de las mandangas impreso.

Darabuc y Arturo recibiendo un obsequieo por parte de César Sánchez.

Pedro Cerrillo, Ángela de la Vega, Gracia Iglesias, Arturo G. Blanco, Gonzalo García Rodríguez (Darabuc) y César Sánchez.

Fotografías de Juan Ignacio Dominguez y Ángel Suárez.

Presentación "Libro de las mandangas"

2010-04-20T10:05:00.001+02:00

El acto de entrega de premios y presentación de obras premiadas del premio "Luna de aire" tendrá lugar en el Vicerrectorado de E. U. y del campus de Cuenca, en su Sala de Juntas, el próximo jueves día 22 de abril, a las 11,00 h. Al mismo asistirán los autores de las obras premiadas, así como los ilustradores de las obras, ya editadas.

El libro de las mandangas

2010-04-15T09:54:00.002+02:00

A finales de este mes sale a la luz "el libro de las mandangas"con textos de Darabuc e ilustraciones de Arturo García Blanco (un servidor), título publicado en la colección "Luna de aire" de la UCLM y el CEPLI, ganador del el accésit del séptimo certamen de poesía infantil “Luna de aire”,
Que ganas de tenerlo impreso sobre las manos.

Desde mi butaca "¿SUEÑAN LAS CABRAS CON SOLDADOS PSÍQUICOS?"

2010-04-14T10:01:00.000+02:00

“Los hombres que miraban fijamente a las cabras” es una comedia absurda, divertida y surrealista sobre un grupo de soldados de las fuerzas armadas norteamericanas que utilizan técnicas parapsicológicas, y que rescata en parte una historia verídica. Adaptación del libro de igual título del escritor y periodista Joe Jonson, Grant Heslov dirige esta sátira sobre el ejército, muy en la línea de “Quemar después de leer” de los Coen, no solo en lo largo del título sino también en la forma y en esa búsqueda de un humor negro, absurdo e inteligente. Lamentablemente no está a la altura, no tiene esa “genialidad Coen” pero, eso sí, supera con creces a cualquier comedieja juvenil americana de las que saturan las salas. La película narra el encuentro de Bob - un periodista que tras separarse de su mujer decide viajar a Irak para demostrarse a sí mismo y a su ex, que es valiente y emprendedor - con Lyn Cassady, un extraño personaje que perteneció al ejército como soldado psíquico. Este encuentro embarcará al periodista en un inusual viaje al interior del desierto mientras Cassady le cuenta la historia sobre la unidad especial a la que perteneció. Con un guión repleto de gags que parece estar escrito por un grupo de colegas puestos de LSD, Heslov nos transporta a un universo muy parecido al de los dibujos animados de la Warner, cual si nos encontrásemos dentro de un capítulo del Diablo de Tasmania.

Peter Straugham presenta al ejército de la nueva era, una unidad psíquica de lo más bizarra, con un chamán drogadicto por líder que busca a través del alcohol, las drogas y la música poderes especiales como los viajes astrales, la telepatía y la invisibilidad. El film cuenta con un elenco de grandes actores como Ewan Macgregor, Jeff Bridges o Kevin Spacey, pero es George Clooney - que ya demostró en la disparatada “O'brother” que tiene un talento especial para la comedia, quien brilla con luz especial. Estamos ante una película que hay que contemplar con la mente abierta, esperando simplemente pasar un buen rato sin sacar prácticamente más que ver como Clooney explota y dispersa una nube con su privilegiada mente, cual si de una droga se tratase que, según el estado en que te encuentres, te provocará un viaje agradable o desagradable; yo, por mi parte, tuve un grato colocón.

Crítica "Los hombres que miraban fijamente a las cabras" de Grant Heslov.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 9 de Abril de 2010.

Desde mi butaca "A LA SOMBRA DE AMENÁBAR"

2010-04-14T09:56:00.000+02:00

Relato fantástico con aires de melodrama, “El mal ajeno”, es la ópera prima de Óskar Santos y el debut en la producción de Alejandro Amenábar; un debut que no podía ser de otra manera que con una película de género, ese tipo de cine que conoce y domina a la perfección. Amenábar impregna con su sello toda la producción de este thriller con toques, cual quedó dicho, de cine fantástico, muy en la línea del “Protegido” de M. Night Shyamalan. El director es primerizo y se nota sobre todo en el tempo narrativo lleno de altibajos, pero en cambio sorprende, y para nada parece novato, en la puesta en escena y con la colocación de la cámara, ejecutando un trabajo excelente apoyado por una gran fotografía del aprendiz de Aguirresarrobe, Josu Inchaustegui, que ya trabajó como operador de cámara en varios títulos de Amenábar.

Diego, un médico curtido de la unidad de enfermos terminales va a recibir - como inesperada consecuencia del disparo que le realiza en el garaje del hospital el novio de una paciente que acaba de suicidarse - un don que comienza a crecer en su interior: la capacidad de sanar con la imposición de las manos. Pero este poder provocará en el protagonista un viaje a lo desconocido y conllevará un alto y costoso precio. El guión lo firma Daniel Sánchez Arévalo bien conocido por “Azul oscuro casi negro” y “Gordos”. “El mal ajeno” es una historia solvente y bien estructurada pero que a veces pierde intensidad cuando transita de lo fantástico al melodrama. Santos destaca sobre todo el factor humano de sus personajes y ése es su gran punto fuerte, respaldado con una magnífica dirección de actores de un gran reparto con un Eduardo Noriega entrado en canas que domina cada plano dando vida al atormentado doctor protagonista; pero si hay que destacar una de las actuaciones es la de Luis Callejo, que se pone en la piel de un insoportable paciente al que la gangrena se está comiendo vivo, y que realiza un brillante papel. La ópera prima de Santos sigue muy de cerca el camino iniciado hace unos años en el cine español por Juan Carlos Fresnadillo en “Intacto”, un mundo completamente real con una trama de desarrollo fantástico. La pena es que Santos no es todavía Fresnadillo, aunque, eso sí, estamos ante el nacimiento de un director que nos puede sorprender en el futuro, y ante una cinta por la que vale la pena pagar la entrada.

Crítica "El mal ajeno" de Oskar Santos.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 26 de Marzo de 2010.

Desde mi butaca "EL PADRINO EUROPEO"

2010-04-14T09:49:00.001+02:00

Jacques Audiard dirige con contundencia un thriller carcelario muy alejado del gran éxito español “Celda 211” de Daniel Monzón, presentándonos una historia de aprendizaje y supervivencia en el salvaje mundo penitenciario. El realizador francés nos transporta, con ritmo ejemplar ,a una prisión francesa de la mano de Malik El Djebena, un muchacho que se va a transformar en hombre y al tiempo en endurecido criminal tras los muros de cemento y los barrotes carcelarios.

Durante sus dos horas y media de duración, que se pasan en un suspiro, “Un profeta” nos fascina gracias a un guión potente que, aún usando todos los tópicos del género, consigue una violenta y absorbente narración. El Djebena es un casi adolescente que llega a prisión a cumplir una condena de seis años y, a los pocos días, será obligado a asesinar a un recluso árabe, pasando así a formar parte como lacayo de la mafia corsa que controla la cárcel y cuyo cabecilla, César, lo tomará bajo su amparo y a su servicio en una relación que le va a posibilitar irá ascendiendo en el entramado criminal de la penitenciaría. Audiard, con una puesta en escena sobria, una fotografía fría y gris, un único punto de vista (el del protagonista) y apoyado por una excelente utilización de la banda sonora, da forma a un universo real y oscuro con un tempo sosegado pero pleno de tensión, utilizando a la propia prisión cual si de otro personaje de la historia se tratase.

En el apartado actoral sorprende la actuación del desconocido Tahar Rabin que realiza una interpretación excelente. Puede decirse que “Un profeta” es una magnífica película, casi, como se ha escrito, “El padrino europeo”, pero la pena es que Jacques Audiard no es Francis Ford Coppola y a veces no es perfecto; uno de esos fallos es posiblemente la inclusión del fantasma de su primera víctima,Reyeb, que paraliza en algunos momentos la marcha del magnífico del guión. De todas maneras no hay que perderse la película, pues te mantendrá clavado al asiento durante todo su metraje y te dejará con muy buen sabor de boca.

Crítica "Un profetal" de Jacques Audiard.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 19 de Marzo de 2010.

Quintana

2010-03-20T17:09:00.001+01:00

El mago detras de la chistera.

Desde mi butaca "UN WESTERN EN IRAK"

2010-03-13T10:16:00.001+01:00

“En tierra hostil” fue la gran ganadora de la noche de los óscar, consiguiendo seis de las nueve estatuillas a las que optaba, eclipsando al huracán Cameron y su “Avatar”. Kathryn Bigelow se convirtió en la reina de la noche llevándose los dos grandes premios de la gala: mejor película y mejor dirección. Desde que comenzó la guerra de Irak en 2003, la contienda ha saltado a la gran pantalla con títulos como “Jarhead” o “Redacted”, aunque realmente “En tierra hostil” no habla sobre el conflicto iraquí sino que lo utiliza como telón de fondo de una historia sobre la adicción, contándonos un drama íntimo con la guerra como droga: un equipo de artificieros estadounidenses se encuentran en medio de una misión rutinaria - desactivar una bomba en medio de la calle- pero un pequeño contratiempo provoca la muerte del jefe de la unidad, que será sustituido por el impredecible y temerario sargento James, faltando pocos días para el relevo; el comportamiento del nuevo jefe, al que parece que le gusta jugarse la vida, creará una atmósfera de desconfianza y temor.

La directora opta por una puesta en escena sobria, más cercana al documental que a la inmersión puramente cinematográfica iniciada por Spielberg en “Salvar al soldado Ryan” y que tan frecuente se ha hecho en el género. Bigelow rueda un western impecable, en el que podemos encontrar al cowboy en forma de sargento artificiero y esos grandes planos de ubicación que parecen rodados en cinemascope. Mark Boal firma un guión anárquico pero ejemplar, en el que une magistralmente un escenario de desactivación tras otro, sumergiéndose en la vida cotidiana del grupo de artificieros, para conducirnos a un estado de tensión casi adrenalítico. La película se hace dura e inquietante, llevándote a un estado de adicción donde tienes la sensación de querer más y más. Jeremy Rener da vida al protagonista creando un personaje magnético aunque en algunos momentos demasiado sobreactuado, un papel que le viene como anillo al dedo. Pasan sin pena ni gloria los grandes Ralph Fiennes y Guy Pearce. Una gran cinta bélica que no se posiciona, y ese es su gran mérito, solo muestra, para que sea el espectador quien saque sus propias conclusiones.

Crítica "En Tierra Hostil" de Kathryn Bigelow.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 12 de Marzo de 2010.

Desde mi butaca "TERROR SCORSESE"

2010-03-13T10:14:00.001+01:00

Un cada vez más clásico Martin Scorsese dirige “Shutter Island”, un thriller psicológico sobre la paranoia. En esta ocasión el director de “Toro salvaje” opta por un estilo más en la línea del Hitchcock de “Vértigo” que por el de sus aclamadas “Gangs of New Cork” o “Infiltrados”, para contarnos, eso sí, usando todos los tópicos y giros típicos del género, una impactante historia en los límites de la cordura: la del agente Teddy Daniels que viaja al hospital psiquiátrico emplazado en Shutter Island para llevar a cabo una investigación sobre la extraña desaparición de una peligrosa interna; pero Daniels no sólo busca resolver el enigma de la desaparición, sino más bien bucear entre los entresijos de la institución mental.

Parece que Scorsese siempre sabe donde colocar la cámara, incluso es capaz de provocar fallos de continuidad para que el plano sea plásticamente perfecto. Al tratarse de la adaptación del libro del mismo nombre escrito por Dennis Lehane, no sé si echarle las culpas a él o al guión de Laeta Kalogridis, por ser en muchos momentos poco original, pero Scorsese es capaz de jugar con este material como nadie, transportándonos al interior de una isla donde el misterio está debajo de cada piedra, realizando un trabajo de dirección espléndido y demostrando nuevamente que sabe cómo dejar al espectador pegado al asiento sin pestañear siquiera, para no perderse un mísero segundo de la proyección. Leonardo DiCaprio demuestra una vez más que es un actor sólido dejando atrás al adolescente sex symbol de Titanic, pero la cinta no sería la misma sin Ben Kinsgley y Max Von Sydow que dan vida a dos misteriosos psicólogos con diferentes visiones de la profesión. Eso sí, durante toda la película no me podía sacar de la cabeza un pensamiento: “imita y copia a Hitchcock, parece que haya metido todas sus películas de suspense en una coctelera con unas gotas de esencia Scorsese, y con la mezcla filmado un homenaje… por favor, si hasta el faro tan fundamental en la trama, es la torre de “Vértigo”...

Crítica "Shutter Island" de Martin Scorsese

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 5 de Marzo de 2010.

Hotel Safari numero 2

2010-03-07T12:52:00.002+01:00

Estos días estamos cerrando el próximo número del hotel, que parece que por fin va a salir para finales de Abril de este año. La verdad es que tiene una pinta muy buena, creo que es bastante superior al primero.

Pero eso lo decidiréis vosotros queridos lectores.

Mientras duermes

2010-03-06T16:53:00.008+01:00

la ciudad permanece despierta.

Desde mi butaca: "Noches de Luna LLena"

2010-03-01T17:23:00.007+01:00

Los vampiros son quizás las criaturas de la noche más recurrentes en la historia del cine, pero los hombres lobo les pisan los talones. Muchas son las historias que tienen a los licántropos como protagonistas, sobre todo en la serie B, donde el español Paul Naschy les dio vida tantas veces. "El hombre lobo" de Joe Johnston da en principio la sensación de querer transitar por el camino iniciado por Francis Ford Coppola en su “Drácula de Bran Stoker”, en el que se dedicaba a profundizar y revisar un clásico del terror bajo una mirada adulta, y que tan buen resultado le dio a Keneth Branagh en su "Frankenstein"; pero en realidad el director se distancia mucho de sus predecesores abordando un mero remake de la mítica cinta de la Universal dirigida por Lon Chaney Jr. en 1941.

Lawrence Talbot es un prestigioso actor de teatro que regresa a su pueblo natal, Blackmoor, a causa del reciente fallecimiento de su hermano a manos de una salvaje criatura. En el curso de su investigación para tratar de descubrir qué o quién le ha matado, Lawrence es mordido por un hombre lobo, y la maldición de la luna llena se apodera de su vida. Johnston contaba con muy buenas bazas, un personaje fabuloso y terrorífico, un gran elenco de actores y los medios necesarios para hacer una magnífica película, pero no lo consigue: realiza un trabajo con altibajos que no nos cuenta nada nuevo ni nos sorprende en la forma de contarlo, y donde prácticamente solo se salva la caracterización de la criatura - un gran trabajo de latex y maquillaje - con un diseño más inspirado en el original de la Universal que en las últimas versiones cinematográficas de la saga Underwold. Es una pena que se desaprovechen dos grandes actores como Benicio del Toro y Anthony Hopkins que podrían haber efectuado unos cara a cara impresionantes. Danny Elfman no hace un trabajo malo y esta vez no iba a ser menos, ejecutando una banda sonora fuerte y atmosférica. Estamos ante una historia que habla del instinto contra la razón, que intenta ser un drama épico, adornado con una historia de amor. Eso sí, no se hace nada larga, ni pesada, mantiene un buen ritmo, aunque después de los diez primeros minutos sepas todo lo que va a ocurrir.

Crítica "El Hombre Lobo" de Joe Johnston.
Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 26 de Febrero de 2010.

Desde mi butaca "¿Somos aún los buenos?"

2010-03-01T17:22:00.007+01:00

El australiano John Hillcoat nos propone el desgarrador viaje de una familia - un padre y su hijo - en un mundo degradado y en consunción en esta adaptación cinematográfica de la novela homónima de Cormac MacCarthy, ganadora del premio Pulitzer en el año 2007. Nos encontramos ante una cinta que se aleja en forma y objetivos de la mayoría de las propuestas apocalípticas de la gran pantalla, poniendo el énfasis no tanto en los efectos especiales sino en las relaciones entre maestro y pupilo, en el amor, la lucha , la humanidad y la falta de ella; una historia íntima de hambre y desasosiego. Padre e hijo viajan en dirección sur a lo largo de una carretera en un mundo post-apocalíptico, donde la comida es prácticamente inexistente, la temperatura media está por debajo de los cero grados y el canibalismo a la orden del día. No estamos, cual dije, ante un proyecto de grandes efectos especiales, que son suplidos por el gran trabajo fotográfico, casi exquisito, de la cinta, que viene de la mano de un español, Javier Aguirresarobe, que, utilizando una paleta de colores muy reducida, de grises y tierras, nos transporta a ese universo turbio, sucio y helado. Hillcoat realiza un buen trabajo , otorgándole al film un tono y carácter que deambula entre el terror y el western, con toques de road movie, aunque se excede en la intrusión de sueños y recuerdos, que en muchos momentos rompen el ritmo cinematográfico. Con una caracterización física extrema, Viggo Mortenssen vuelve a sorprendernos ejecutando un trabajo excelente, metiéndose en la piel de ese padre, perturbado por los acontecimientos pero aferrado a su único objetivo de salvaguardar a su hijo - el joven pero no menos eficaz Kodi Smit-Mcphee que da vida a un ingenuo niño en un mundo salvaje - y enseñarle a sobrevivir en los durísimos tiempos que les ha tocado vivir. La verdad es que MacCarthy tiene suerte con sus adaptaciones: tras la grandiosa “No es país para viejos” de los hermanos Coen, “La carretera” es una película excelente. No es una historia agradable ni feliz y te dejará un nudo en el estómago, pero es de ésas que te proporcionan una buena y dilatada charla tras su visionado.

Crítica "La carretera" de John Hillcoat.
Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 19 de Febrero de 2010.

Desde mi butaca "LA NACIÓN QUE PERDONÓ"

2010-02-26T19:41:00.005+01:00

Tras una larga carrera con más de treinta títulos a sus espaldas, Clint Eastwood ha dejado más que claro que sabe hacer bien su trabajo. Con su última cinta nos lo vuelve a demostrar, aunque “Invictus”, aún siendo una buena película, esté muy lejos de obras como “Sin Perdón” o “Mistyc River”, que son verdaderas joyas del séptimo arte. Al fin y al cabo, con un ritmo de film por año es lógico que no siempre esté al cien por cien. En esta ocasión Eastwood adapta el libro de John Carlin El factor humano, basado en un hecho real, la implicación de Nelson Mandela en la copa de Rugby de 1995. Un Mandela que, recién tomadas en su mano las riendas del gobierno de Sudáfrica, una nación completamente dividida por el Apartheid, y en su búsqueda de la unidad del país, se da cuenta de que un equipo de rugby puede convertirse en el mejor aliado para encontrar la esperada reconciliación y, en consecuencia, decide ponerse como meta que la selección sudafricana gane la copa mundial del 95.

“Invictus” es una historia sobre el perdón, la paz y la superación colectiva cuyo conmovedor y épico guión cojea sin embargo en algunos puntos, no profundizando en la parte más humana de los protagonistas y pasando demasiado por encima por algunos de los personajes, como el de Pienar, capitán del equipo, que se queda demasiado plano. Morgan Freeman, que parece haberse convertido en el actor fetiche de Eastwood, realiza una actuación espléndida, con un gran trabajo sobre todo físico, en el que destaca una forma tal de andar y de moverse, que en algunos momentos hace que pensemos que estamos ante un documental contemplando al verdadero Mandela. Matt Damon, quizás por la falta de fuerza en su personaje, no está a la altura de Morgan. Lo mejor, o por lo menos lo que a mi gusto cabe destacar del film, es la trama secundaria, la relación interna del equipo de guardaespaldas del presidente, un grupo mixto de blancos y negros en el que se puede ver a pequeña escala lo que sucedía en toda la nación sudafricana. Y Eastwood ya tiene otro trabajo que se estrenará este año: “Hereafter”. Solo toca esperar que siga en tan buena racha como hasta ahora.

Crítica "Invictus" de Clint Eastwood.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 12 de Febrero de 2010.

Desde mi butaca "LAS CATASTRÓFICAS DESDICHAS DE LARRY GOPHICK"

2010-02-26T19:38:00.004+01:00

Cautivador y extraño es el último trabajo de los geniales Joel y Ethan Coen, un viaje relajado al universo judío nortemericano de finales de los años setenta a través de la mirada de Larry Gophick, un profesor de matemáticas al que las cosas le empiezan a ir de mal en peor. Una hija que le roba dinero, un hijo que solo le quiere para que le arregle la antena de la televisión, una mujer que le pide el divorcio y un hermano algo loco con un quiste en el cuello que debe drenar constantemente: ése es el panorama ante el que los Coen colocan a su protagonista para que empiece a plantearse el sentido de la vida. En su búsqueda de respuestas Larry pedirá la opinión de los tres más ilustres rabinos de su comunidad, que no solo no solucionarán su problema, sino que le crearán más dudas, preguntas y una sensación de que la vida no tiene sentido. Está claro que esta pareja de directores poseen un estilo muy personal y un universo único que son capaces de transmitir cuenten lo que cuenten, con un humor negro que subyace en todas sus historias.

“Un tipo serio” es una cinta sobre las relaciones entre el hombre y su yo espiritual, y sobre todo sobre la mala suerte, que en cierto modo ya es vaticinada en el sorprendente prólogo con el que los Coen inician su película, un pequeño cuento ambientado cien años antes que el resto de la trama, en el que están ya las claves con las que jugarán durante todo el metraje: la razón, la fe y la desdicha. Gracias a un ritmo sosegado y a una ambientación fría y desoladora, nos vemos transportados a una pequeña comunidad judía norteamericana donde las situaciones parecen siempre completamente absurdas a la vez que raramente reales. Y estamos ante un descubrimiento para la gran pantalla, el de Michael Stuhlbarg, que casi sin cambiar de gesto nos presenta un personaje lleno de matices. El elenco de actores es sensacional, muy apartado del star system al que últimamente nos tenían acostumbrados en sus más recientes trabajos “No es país para viejos” o “Quemar después de leer”. A destacar un Fred Melamed que da vida al encantador y cabrón amante de la mujer de Larry. Los Coen filman una absurda, divertida y extraña historia, que bucea en su propia infancia, mostrándonos una visión irónica y a la par respetuosa de la cultura judía de la América de los setenta.

Crítica "Un Tipo Serio" de Joel y Ethan Coen.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 5 de Febrero de 2010.

Desde mi butaca "¡HOLMES HA VUELTO!"

2010-02-26T19:36:00.003+01:00

Sherlock Holmes, o la máquina de observar y razonar más perfecta que el mundo ha tenido, brotó de la imaginación del escritor británico Arthur Conan Doyle, apareciendo por vez primera en la novela “Estudio en Escarlata”. Más de cien años después, Guy Ritchie recupera al personaje para la gran pantalla. Con un ritmo trepidante, sin apenas descanso, Ritchie actualiza, para bien o para mal, un personaje clásico, el detective por excelencia, convirtiéndolo en un héroe de acción que sabe usar a la perfección tanto el cuerpo como la mente. Estamos ante un Holmes más enérgico, visceral y físico que recuerda más al Sherlock de la fantástica serie de dibujos de Miyazaki que al original literario, pero que mantiene la esencia del personaje de Conan Doyle. El malvado y siniestro Lord Blackwood, apresado por Holmes y Watson a causa de una serie de asesinatos rituales, es condenado a muerte, mas antes de morir asegura que los crímenes no cesarán. Tras su ejecución, Blackwood regresará, inexplicablemente, de entre los muertos; ello conducirá a la pareja detectivesca al Londres más misterioso y sobrenatural en busca de la verdad.

Gracias a la neurótica cámara, que nos transmite una sensación de aventura en primera persona, y a las secuencias de cámara lenta y repetición que el director maneja a la perfección, el espectador no despega el ojo de la pantalla en todo el metraje por no perderse ningún detalle, tanto de las escenas de pura investigación como de las secuencias de acción, tan abundantes en la cinta. Robert Downey Jr. mantiene en su interpretacion de Holmes el nivel al que nos tiene acostumbrados, realizando un trabajo excepcional en la confección de un personaje que desborda carisma y presencia y del que te prendas desde su primera aparición; Jude Law, que da vida al Dr. Watson, aún ejecutando una perfecta interpretación, no está a la altura de su compañero. La película se aleja de las historias detectivescas con largos monólogos explicativos de la investigación, mutándolos por diálogos rápidos y simples, casi más de comedia que de cine de intriga o de acción. El Londres de finales del XIX se abre ante nuestros sentidos como un lugar sucio, en construcción, de una realidad abrumadora, en un recorrido que salta de los bajos fondos a los lugares más elitistas, como el Parlamento. Ritchie vuelve a sorprendernos, como ya hizo con “Snack, cerdos y diamantes” - aunque parecía perdido desde entonces, resucitó con “Rockandrolla” - y regresa a primera línea con "Sherlock Holmes" y como deja entrever, al final del film, puede que nos sorprenda con una secuela.

Crítica "Sherlock Holmes" de Guy Ritchie.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 29 de Enero de 2010.

Desde mi butaca "UNOS OJOS CAUTIVADORES"

2010-02-26T19:33:00.003+01:00

Gracias a las nominaciones de los Goya, regresa a las pantallas de las salas de exhibición la magnífica “El secreto de sus ojos”, del director argentino Juan José Campanella, que opta a nueve premios de la Academia. Campanella, al que todos recordaréis por “El hijo de la novia”, desarrolla en ella una historia sobre el tiempo perdido, a través de una trama de cine negro donde los sentimientos son más importantes que la pura intriga policial.

Su protagonista - Benjamín Expósito, encarnado por Ricardo Darín - decide al jubilarse convertirse en escritor y comienza a trabajar en una novela sobre el sumario judicial que le marcó hace más de veinticinco años, un brutal caso de asesinato que le conmocionó y le cambió la vida. El viaje de un perdedor a lo más profundo de su ser entrelazado con un suceso criminal que provocará que, abriéndole los ojos y dándole otra oportunidad, Expósito se rebele (al tiempo que, también, se revela a sí mismo) ante su propia forma de ser. No es de extrañar que esté nominada al premio al mejor guión adaptado, porque lo que hace grande a la película es justamente eso: el sólido guión con el que cuenta, que entremezcla misterio, suspense y romance a través de unos diálogos ágiles e increíblemente cautivadores.

La cinta tiene un elenco espectacular, encabezado por el siempre genial y creíble Darín, que lleva todo el peso saliendo en prácticamente todos los planos, aunque es destrozado cada vez que sale a escena por Guillermo Francella, en el papel de Sandoval, el compañero gracioso y borracho del protagonista; claro que no desmerece tampoco la interpretación de Soledad Villamil, de la que acabas completamente enamorado.

El final, aunque casi esperado, es, valga la paradoja, sorprendente, por la dirección sobria y carente de efectismos con el que es resuelto. Nos encontramos ante una obra de una alta calidad que es merecedora de todas sus nominaciones, aunque resulta extraño que pueda ser premiada a la vez como mejor película y mejor película extranjera de habla hispana, pero estas cosas ocurren. Os recomiendo que no dejéis escapar esta nueva oportunidad, que se nos ofrece de disfrutar de unos excelentes 125 minutos.

Crítica "El Secreto de Sus Ojos" de Juan José Campanella.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 22 de Enero de 2010.

Desde mi butaca "CRUEL REDENCIÓN"

2010-02-26T19:32:00.003+01:00

Michael J. Basset realiza en estapelícula una adaptación del personaje literario "Solomon Kane", ideado por el escritor Robert E. Howard, el creador del mítico “Conan” que fue llevado al cine por John Millius, en una fabulosa película, halla por los años ochenta. Nos encontramos ante un film inmerso en lo que se denomina género de espada y brujería, ambientado en el siglo XVI, en una lúgubre y decadente Inglaterra. Solomon es un guerrero violento y sanguinario, que al enfrentarse a un demonio que viene a por su alma, decide iniciar un camino de redención a través de la paz y la fe. El destino sin embargo le tiene dispuesto otro sendero hacia la salvación, aunque, paradójicamente, sea mediante lo que mejor sabe hacer, luchar.

Basset nos presenta un proyecto de “Serie B”, bien dirigido y mejor ambientado, que se gasta todo su presupuesto en el inicio y en un monstruo final fantástico pero que no permanece en pantalla ni unos míseros cinco minutos; mas he aquí que quizá ese ¿problema presupuestario?, sea el responsable de su mayor virtud, ya que al no poder abusar de los efectos digitales, éstos dan paso al látex y al maquillaje, que a un servidor siempre le provocan una mayor sensación de realidad y da un mejor empaque a los personajes de carne y hueso.

El personaje principal recae sobre los hombros de James Purefoy, al que probablemente recordaréis por su papel como Marco Antonio en la serie Roma de la HBO que emitió la Cuatro por televisión. Purefoy ejecuta un trabajo lleno de altibajos, que recuerda en demasia al de Hugo Jackman en "Vall Helsing" de Stephen Sommers. El problema no creo que sea suyo sino del pobre guión, que carece de originalidad, tanto es así que uno de los malos, el esbirro número uno del gran perverso, no sería otro que Darth Vader a caballo y con máscara medieval. La cinta crea no obstante una cautivadora atmósfera, que te transporta a una tierra deprimente y gris, donde la humedad y el frío son perpetuos.

Una obra, pues, entretenida aunque el cierre final sea un poco insatisfactorio.

Crítica "Solomon Kane" de Michael J. Basset.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 15 de enero de 2010 .

Desde mi butaca "DE INDIOS Y VAQUEROS"

2010-01-11T15:51:00.002+01:00

Hace tres semanas llegaba a los cines la esperada "Avatar". En ella James Cameron resurge tras un retiro de doce años, con el género que le hizo famoso gracias a cintas como "Terminator", "Abyss" o "Aliens, el regreso". Esta vez nos trae una de indios y vaqueros aunque, eso sí,en lo más recóndito del espacio. La historia sucede en un planeta llamado Pandora al que una compañía minera de la Tierra le ha echado el ojo porque alberga en su interior un mineral de un gran valor económico. Para intentar estudiar y entablar relaciones con los nativos "Na'vi", un grupo de científicos, bajo el amparo de la compañía, ha creado unos seres, combinando ADN aborigen y humano, que pueden ser dirigidos y controlados a distancia por un ser humano que traspasa su conciencia a la de la criatura. Su protagonista es un marine parapléjico, que se hará cargo de uno, y a su través empezará a convivir con los indígenas. La idea inicial es innovadora, pero el fuerte por desgracia de la película no es el guión, que no es más que la historia de Pocahontas aderezada por un sinfín de ideas recurrentes en la ciencia ficción; las bazas de “Avatar” son su belleza visual y unas escenas de acción muy bien trabajadas. Cameron nos transporta a un nuevo mundo, donde el color lo invade todo, desde las plantas que brillan al ser tocadas al suelo que se ilumina al ser pisado. La unión entre los personajes reales y la animación en 3D es de una calidad asombrosa, pasando de un elemento a otro sin que el espectador perciba ningún cambio. Técnicamente estamos ante un equipo creativo digital, asombroso: nunca antes se había reflejado la piel con esa calidad y los animales parecen completamente reales, un trabajo que no sé sí alcanza las expectativas generadas, pero que es francamente extraordinario. Cabe destacar algunas ideas muy originales como la simbiosis entre los Na'vi y todos los animales que montan, o la misma idea del avatar que da nombre al film. No estamos ante un hito del cine, pero si ante una cinta que merece ser vista. Es una experiencia sensorial de 160 minutos, que te dejará un buen sabor de boca, aunque la historia la hayas visto miles de veces. Por eso, a aquellos rezagados que todavía no la hayáis visto o que esperabais a que las salas dejasen de estar masificadas por la Navidad, os recomiendo que os dejéis caer en la butaca de vuestro local favorito y paséis un buen rato viéndola.

Crítica "Avatar" de James Cameron.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 8 de Enero de 2010.

Diseño de personajes

2009-12-24T12:23:00.000+01:00

Como todo tiene un principio, en estos momentos me hayo en la fase preparatoria de un nuevo comic, os dejo unos diseños, de personajes secundarios, de una nueva historia que tengo entre manos.

Desde mi butaca "¡A CARCAJADAS!"

2009-12-12T10:46:00.001+01:00

El spoof movie español ha llegado a los cines con “Spanish Movie”, la ópera prima de Javier Ruiz, que nace contagiada por el espíritu de clásicos del género como “Aterriza como puedas” o “Hot Shot”.

Comencemos explicando el término: se trata de un subgénero dentro de la comedia, que se dedica a parodiar películas de gran éxito en taquilla - uno de los ejemplos más claros sería la saga de “Scary Movie” - y es un estilo que ha tardado en llegar a España pero que en Estados Unidos se ha realizado hasta la extenuación.

Si la risa alarga la vida, soy un afortunado gracias a que el otro día me dejé caer en la butaca para ver “Spanish Movie”, que logró hacerme reir de principio a fin aunque, eso sí, no busquéis en ella originalidad ni crítica social, sólo el máximo entretenimiento basado en la risa y el humor.

La cinta nos hace transitar por todas las historias más taquilleras del cine patrio, desde “Los Otros” de Amenábar al “Volver” de Almodóvar, pasando por “El laberinto del fauno” de Guillermo del Toro, llevando de guías a un gran elenco de actores entre los que destacan Carlos Areces, en el papel de todos los personajes de Bardem, y Alexandra Jiménez en el rol de Ramira (el clon paranoico de la Ramira almodovariana ) que desbordan naturalidad y buen hacer.

Gags y más gags, es el principio fundamental que Paco Cabezas plantea en el guión, intentando con esta fórmula que el espectador encuentre siempre algo con lo que desternillarse.

Existe una clara esencia casposa pero genial de los chicos de Muchachada Nui, en esta obra, aparte del cameo de todo el equipo en “Los lunes alcohol”; subyace en el fondo el disparatado sentido del humor, casi siempre absurdo de esta hilarante pandilla comandada por Joaquín Reyes.

La verdad es que no creo que este film pase a los anales del cine español, pero lo que si va a hacer es que salgas de la sala con una sonrisa dibujada en tu cara.

Crítica "Spanish Movie" de Javier Ruiz.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 11 de Diembre de 2009.

Pequeñas Cosas

2009-12-11T16:38:00.012+01:00

Perdonar el retraso en postear, acabo de subir las últimas criticas, pero como no he tenido tiempo para hacerles una ilustración, subo esta para que no penseis que he dejado de currar. En estos momentos estoy inmerso en la preparación de un proyecto de comicbook, del que iré subiendo algunas imágenes los proximos días.

Desde mi butaca "Un pequeño paso ¡verde!."

2009-12-11T16:27:00.002+01:00

Luchando por un hueco en el mundo de la animación, los españoles de Ilion Animation Studios lanzan al mercado “Planet 51”, una creación española destinada a un público norteamericano; es más, el mundo donde se desarrolla la acción, recuerda demasiado a la América de los años 50 y 60, casi una copia - aunque “platillesca” - de la ambientación de la mítica “Regreso al futuro”.

En un idílico mundo de criaturas verdes, aterriza un astronauta americano, de la Nasa, llamado Chuck Baker. El acontecimiento pondrá patas arriba a todo el planeta, que teme las invasiones alienígenas debido a una multitud de películas de invasiones del espacio exterior. El gobierno intentará apresar al recién llegado, pero éste contará con la ayuda de un trío formado por Lem, un adolescente, Skiff, un freaky, y Eckle, un niño travieso, que harán todo lo posible por mantener a salvo al terraqueo.

Los chicos de Ilion demuestran que se puede hacer en España grandes proyectos de animación, con una gran calidad técnica, lo malo es que el guión no está en consonancia, quedándose flojo y previsible, tirando de recursos fáciles como las referencias cinematográficas a películas como “Cantando bajo la lluvia”, “El ataque de la mujer de cincuenta pies”…; eso sí, algunas son geniales, como la mascota que se parece al extraterrestre de “Alien, el octavo pasajero”. Al notar que quien firma el guión es Joe Stillman, entiendes que la película tenga tanto carácter americano, pero parece mentira, que el coguionista de "Shrek", desarrolle esta historia tan manida.

A pesar de la falta de originalidad y su excesivo tono infantil, la película se deja ver, haciéndote pasar un rato ameno y manteniéndose al mismo nivel que muchas producciones estadounidenses.

Cabe destacar la ambición del proyecto, una superproducción animada “made in Spain”. Sólo por este aspecto, merece la pena que lo apoyemos, y ya sólo queda esperar que mejoren en sus próximos trabajos.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 4 de Diembre de 2009.

Desde mi butaca "Entre mujeres"

2009-12-11T16:25:00.005+01:00

Cerrado el Festival "Mujeres en Dirección" que acogió por cuarto año la ciudad de Cuenca, la semana del 23 al 28 de Noviembre. Una semana fantástica con el cine a dos euros. Así sí se puede ir todos los días; qué pena que terminó.

Dentro de las secciones oficiales del certamen han destacado los cortometrajes por encima de los largos ya que estas pequeñas historias han sido en general mucho más expresivas y han mantenido un mayor ritmo cinematográfico que las de larga duración. Dentro de los cortometrajes ha despuntado una pequeña pieza de animación llamada "Fäst Vid Dig" (Atado a ti), en la que se nos cuenta de una manera muy gráfica y divertida, a partir de muñecos de arcilla, los lazos irrompibles del amor de una madre hacia su vástago. Las directoras atrapan desde el principio la atención sin necesidad de que los protagonistas articulen una palabra, provocando que la narración se haga todavía más internacional, comprensible y entrañable.

Con el corazón un poco tocado te deja también la película, esta vez de larga duración, "Entre Nos", una obra que viene desde los Estados Unidos, pero con voz y sentir colombiano. Gloria La Morte y Paola Mendoza nos narran en ella la conmovedora vida de una inmigrante de esa nacionalidad que, abandonada por su pareja en Nueva York, es capaz de salir adelante con sus dos hijos pequeños, enfrentándose al mundo (la gente, el idioma…) para salvaguardar a su familia. Pero sobre todo, nos quedamos de piedra cuando la propia Paola - codirectora y protagonista - nos revela que la esencia del film está basado en la vida de su propia madre y que la niña pequeña que sale en pantalla fue ella misma aunque nos matice que el relato no es completamente fiel a los sucesos de su propia infancia. Uno de los mayores logros del film es el casting infantil del que sobresale el actor que encarna al hijo de la protagonista. Solo le pondría, siendo algo malvado, un pero: una pena que pase con tanta serenidad por los momentos más duros haciendo que no lleguen a impactarnos tanto ni a desgarrarnos al completo el corazón.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 27 de Noviembre de 2009.

Desde mi butaca "SE ACABÓ EL MUNDO"

2009-12-11T16:23:00.001+01:00

Roland Emmerich o el “señor de las catástrofes”, ataca de nuevo, aunque esta vez sustituye a los extraterrestres por un desastre natural: un grupo de científicos predice que se avecina el fin del mundo por una relación entre las manchas solares y los neutrinos y los altos mandatarios deciden salvaguardar a la humanidad (sin que la mayoría de la población lo sepa) ideando unas naves que albergarán una parte del mundo que conocemos. Este es el punto de partida en el que Emmerich sitúa a una familia americana, para contarnos su ardua lucha por mantenerse vivos durante la mayor catástrofe natural de la historia de la tierra.

Coca Cola y palomitas pensaba mientras me dirigía hacia el cine para ver esta “2012”, última cinta de Emmerich, y tengo que decir que aunque no aguardaba la película de mi vida sino pasar simplemente un buen rato, tampoco esperaba un guión tan inverosímil, que intenta tener un rigor científico pero que solo consigue retroalimentarse de los guiones de varios films del propio director, y que agota con su megaoptimismo sobrepasando los límites conocidos.

Bueno, al menos mi retina disfrutó de los efectos especiales, que aunque no aportan nada a la trama, son de una calidad deslumbrante de principio a fin, destacando momentos de simple destrucción que son plásticamente fabulosos.

Debería comentar algún aspecto de la actuación, pero la verdad es que el guión no les deja mucho espacio con el que jugar a los actores, porque los protagonistas carecen de aspectos psicológicos lo que provoca actuaciones de lo más planas.

Está claro que ésta última creación del “señor de las catástrofes” es para verla en el cine y no en el televisor del salón, pero gastarse el dinero para comprarse la entrada, verdaderamente es tirarlo. Os recomiendo que optéis por otra historia de la muchas de la cartelera.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 20 de Noviembre de 2009.

Días de Cómic

2009-11-20T01:06:00.002+01:00

Los días 20 y 21 de noviembre, justo este fin de semana se celebra en Lleida la segunda convención de profesionales de la industria del cómic "set de cómic".
Yo por mi parte voy a asistir, creo que puede ser un fin de semana de lo mas entretenido.
Si quereis mas información aqui os dejo el blog de la convención "set de cómic".

Desde mi butaca "Una más de terror"

2009-11-18T16:21:00.004+01:00

Jaume Collet-Serra, director español afincado en la meca del cine, nos presenta - tras sus anteriores “La casa de cera” y “Goal II: Living the Dream” - su tercer trabajo “La huérfana”.

En esta ocasión nos cuenta la historia de un matrimonio que al perder a su hija nonata decide adoptar a una niña llamada Esther; una niña que tras una apariencia de buena chica y un aspecto de princesa del siglo XVIII esconde a la par una inteligencia abrumadora y terribles secretos.

La historia recuerda a películas como “La profecía” de Richard Donner o “El buen hijo” de Joseph Ruben, aunque el director se distancia de ellas apostando por otorgarle al film la esencia de un thriller psicológico y unos tintes realistas, en una atmósfera tensa y cargante. Es una pena que según va pasando el metraje de la película tengas la sensación de saber lo que va a pasar, salvo en un par de ocasiones.

Collet-Serra no es capaz de mantener el ritmo, que llega en algunos momentos a hacerse eternamente lento, y abusa de los tópicos del género. Por contra, su gran acierto es la sencillez en las escenas de terror, apartándose de los grandes efectos especiales que predominan hasta la saciedad en el género en nuestros días.

En suma, “La huérfana” es una película que se deja ver, pero que no pasa de ser más bien un film para pasar el rato de después de comer.

Eso sí, estamos ante el nacimiento de una estrella, Isabelle Fuhrman, que en el papel de Esther nos cautiva desde su primera aparición en pantalla; una niña de apariencia angelical pero que, con una mínima mueca, nos hace estremecernos en nuestras butacas.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 13 de Noviembre de 2009.

Curso de cómic en Cuenca

2009-11-10T09:40:00.002+01:00

Los próximos días 12 y 13 en la universidad de Castilla La Mancha,( en su sede en Cuenca) se realizará el curso "Cómic: del dibujo a la edición".

Donde el colectivo a cual pertenezco el Hotel Safari (yo incluido) está invitado para una mesa redonda, donde se hablará de la edición y la autoedición, exactamente el jueves 12 de Noviembre a las 18:30.

Os dejo el folleto del curso en pdf, por si estáis interesados en asistir.

Folleto.pdf

Desde mi butaca "Fecha Estelar"

2009-11-09T11:05:00.002+01:00

La semana pasada fue una gran semana. Por fin llegó a los videoclubs el dvd de "Star Trek, el futuro comienza". Lástima que para adquirirla haya que esperar hasta el 2 del mes que viene ya que de momento sólo se puede alquilar.
La verdad es que estaba deseando poder verla de nuevo tras que me cautivara allá por el mes de mayo cuando se estrenó en las salas de cine. Recordemos que en ella - la onceava realizada para la pantalla grande sobre la saga, pero que intenta convertirse en la número uno de una nueva tanda de entregas - la mítica nave Enterprise se lanza a detener al malvado Nero, que como venganza por el exterminio de su raza, viaja al pasado para destruir a la humanidad.
El director J. J. Abrams, más conocido por la serie de televisión "Perdidos", reinventa así "Star Trek" para un nuevo público y le da una vuelta de tuerca a la vieja serie para los trekies más veteranos. Abrams consigue esta actualización incorporando más acción, unos efectos especiales alucinantes (con claros paralelismos con la otra gran saga galáctica por excelencia "Star Wars") y un guión que partiendo del original es capaz de desvincularse de él sin perder algunas de las cualidades que hicieron grande a la historia original: el optimismo, el compañerismo y la mirada hacia un futuro mejor.
Uno de los valores añadidos es el actor Zachary Quinto en el papel de Spock, no por su semejanza con su predecesor, Leonard Nimoy, sino porque demuestra con su actuación que se merece estar ahí.
Y hablando de actores, de grandes actores: gracias y hasta siempre, Sr. López Vázquez.

Publicado en "El Día Cultural" el Viernes 6 de Noviembre de 2009.

Homenaje a Sara Smith

2009-11-06T10:36:00.004+01:00

Me apetecía dibujar a Sara, porque es un personaje cojonudo.
Sara Smith es un detective privado, creado por Diego Burdío, amigo y editor del cómic Hotel Safari ( por cierto el número 2 está prácticamente acabado, saldrá para Diciembre).
La verdad es que ya la dibujé una vez, pero no quedé contento con el resultado, y el otro día paseando por mis blogs favoritos, pasé por puntos suspensivos, y ahí había una ilustración de Sara, me dio envidia y le he hecho una.

¡Va por ti Diego! .

Desde mi butaca "El insólito Terry Gillian"

2009-11-04T18:54:00.003+01:00

Fascinante es el calificativo que resonaba en mi cabeza cuando, sentado aún en mi butaca tras visionar "El imaginario del Doctor Parnassus" de Terry Gillian, se encendieron de nuevo las luces de la sala. Y es que el antiguo integrante de los Monty Python, nos trae a las pantallas una historia que navega entre la fantasía y la realidad, una lucha entre la imaginación y los demonios de la existencia.
Como un niño me sentí cuando la película sobrepasó sus primeros diez minutos; en ese momento me volví a sentir en el sofá de la casa de mis padres, a primera hora de la mañana de un domingo, disfrutando una y otra vez de "Las aventuras del Barón de Münchaussen", con un vaso de leche en la mano y bastante menos pelo en la cara. Porque estas dos cintas dirigidas por Gillian - la que entonces me contaba las extravagantes andanzas del Barón y la que ahora nos narra la fáustica historia del Doctor Parnassus que hechizado por el amor hace una apuesta con el diablo - tienen algo (o mucho) en común: la desbordante imaginación de su creador.
Elogios también, por supuesto, para el difunto Heath Ledger que nos dejó una magnífica interpretación de un galán granuja y sombrío en el papel de Tony. Y no puedo cerrar el comentario sin dejar de recomendar esta película que, aunque algo extraña en su naturaleza, no dejará indiferente a quien la vea. Eso sí, procurad disfrutarla en versión original.

Publicado en el cultural "El Día" el Viernes 30 de Octubre de 2009.

INAUGURANDO

2009-11-02T18:02:00.006+01:00

Nace un Nuevo Blog en la inmensidad de la red prácticamente cada milésima de segundo, y éste es uno de ellos. Gracias por asistir, a esta inauguración pero sobre todo gracias, porque estoy seguro de que regresarás.

En este diminuto espacio de la red, iré subiendo a traves de textos e imágenes, lo que se esconde en mi cabeza.